写在前面：在上期【七幅画】中，我们聊到了什么是西方绘画艺术中古典主义的高墙，还没看过的朋友们可以先点击历史消息【七幅画艺术史】古典主义的高墙进行阅读然后转发、收藏、点赞。

我们今天用七幅画来讲讲，当古典主义的高墙历经几个世纪被筑成之后，一群想出高墙外去玩的艺术家们是怎么把这座墙给拆了的。

拆墙想象图：

（图片来源于网络）

第一幅画

《干草车》 1821年

约翰·康斯太勃尔

John Constable, 1776—1837

欧洲自文艺复兴时期卡拉奇兄弟创立真正意义上的绘画学院——博洛尼亚美术学院以来，“学院派”的绘画传统就一直传承到了今天，而且从某种意义上来说，“学院派”就是古典主义（或古典性）绘画艺术的代名词。

“学院派”，就是古典主义这座高墙背后的先遣阵地。

（当然，到了今天在某些场合下，“学院派”也成为了“死板、迂腐”等负面形容的代名词。）

在上一期的文章中提到过，古典主义包括风景画在内的创作，都是在室内进行的，描绘的都是“理想中的风景”（看上去就跟舞台的布景似的），而不是“真实的风景”。

但是，康斯太勃尔这位学院派画家，却显得不那么“学院派”。

康斯太勃尔年轻时便考入了英国皇家美术学院，但是美术学院的高墙并不能阻止他走出画室、到室外写生的步伐。虽然这副《干草车》最后还是在室内完成的，但是画中表现出的许多内容，足以证明画家前期写生的占比很大：

在这幅画中，小河中的枯木、水草和石头、水中房屋的倒影、车轮溅起的水波、车轮的锈迹都被细致地描绘了下来，天空中的云从明暗对比和形状两个角度看都十分具有真实感，甚至能感受到空气的湿润。

此外这幅画有一个亮点，就是画里中下部的那只折头的狗狗。

这只狗狗在画中的含义一直有着一些争议，有人认为，狗狗折头起到了视线引导的作用，可能是画家故意安排，从而平衡画面的重心，带有古典主义构图的色彩。但也有人认为这就是一个无意、但真实的场景再现，没有特殊含义。

我个人认为，这只狗狗好可爱。（可爱就行了啊，管他什么构图什么视线引导）

以上种种，充分证明了这幅画就是一个真实场景的再现，绝不是临摹、幻想出来的“理想风景”。康斯太勃尔的这副《干草车》，对后来的风景画家们影响极大。

第二幅画

《奥伯特沃兹的水闸》 1859年

查理·法兰斯瓦·杜比尼

Charles Francois Daubigny, 1817—1878

聊这幅画之前，先来简单讲讲欧洲美术史上最重要的一个风景画派：

巴比松画派

这个画派干嘛的？

首先，巴比松画派是第一个在室外写生创作的风景画派，也就是说，巴比松画派的画家们集体抛弃了古典主义的室内创作方法，把古典主义的高墙拆了一半。

其次，巴比松画派得名于法国小镇巴比松，也就是该画派画家们写生的地方。

最后，巴比松画派是一个松散的画家群体。

这个画派的几位代表画家被称为“巴比松七星”，随便说一个名字都是响当当的：

米勒、柯罗、卢梭、迪亚兹、特罗雍、杜普雷、杜比尼。

（为什么七个名字都要说呢？因为集齐七个就能召唤神龙）

作为巴比松七星之一的杜比尼，当时的艺术评论家们给了他一个相当浪漫的头衔：

“画水的贝多芬”

可能大家光是看这幅画，并不会觉得杜比尼有多厉害，但要是我说，杜比尼是印象派绘画技法的先驱之一呢？

杜比尼的先驱性可以体现在以下两个方面：

一方面，杜比尼整合了小笔触绘制色彩丰富的块面的技法，同时还在画中运用了大量的厚涂。

另一方面，杜比尼使用了色彩并置的效果，即色彩不完全调合而带出的各种原色并列。

记不住也不要紧，一句话来说就是印象派的许多画家们，都是学的杜比尼的技法。

在这幅《奥伯特沃兹的水闸》中的云，远观感觉好像就是一整块，但是细看就能发现丰富的色彩。画中的小河粗看仅仅只有岸上景色的倒影，然而细看却能发现微风吹过水面时产生的细小波纹，以及不易被察觉的流动感。

细小的地方藏有丰富的内容，这种真实而自然的美感被印象派发扬光大。我们接下来就来看看印象派的绘画。

第三幅画

《日出·印象》 1872年

克劳德·莫奈

Claude Monet, 1840—1926

说真的，写到这里我犯了难，因为印象派的画家们风格太不统一了。关于印象派的故事，以后专门为大家写一期吧。（又在挖坑）

大家一定对这幅画特别熟悉，但是要具体地讲出个所以然就不一定了。那么看这幅画的时候，应该怎么看？

刚才说巴比松画派把古典主义的高墙拆了一半，是因为画家们第一次集体出去玩出门写生创作了。

剩下的一半墙基本被印象派、新印象派和后印象派给拆了，因为他们把古典主义藏了许多个世纪的两样东西，给直接展现在了画中。

印象派和新印象派展现的，是色彩。

古典主义绘画的色彩，大多是画家们反复挑选、调和，最终才会选用的、自己理想中认为正确的色彩，因此这种理想的色彩并不是自然光照射下的、物体应该会有的色彩。

而印象派的画家们，却致力于描绘最真实的自然光照射在物体上的色彩。

例如，雷诺阿笔下的《阳光下的裸女》就因为真实地画出了阳光透过绿叶照射在皮肤上所产生的、偏青绿色的色彩，被当时由学院派把控下的艺术沙龙讥讽为“长了尸斑的人体”：

第四幅画

《阳光下的裸女》1875年

皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿

Pierre-Auguste Renoir, 1841—1919

下次大家出去玩的时候，可以亲自用肉眼观察一下，看看能不能看出这幅画里的色彩。

印象派画家们对色彩的掌握，很大程度上得益于19世纪初光学研究的巨大进步。画家们通过研究光的色散、三棱镜、分光台等科学成果，试图在画布上最大程度地再现出“真实的光”

三棱镜与光的色散

新印象派的修拉、希涅克等人，则进一步研究了光色分割的方法（即把色彩分割成小点，利用人眼自动混合视觉色彩）进行创作：

《大碗岛的星期天下午》（局部）乔治·修拉

可以说，科学技术的进步，也带来了绘画创作的进步，科学成为了一把拆除古典主义高墙的利器。

那么古典主义藏起来的另一样东西是什么呢？请各位接着往下看。

第五幅画

《自画像》 1889年

文森特·梵高

Vincent Willem van Gogh, 1853—1890

文艺青年们最爱的画家来了！

还记得去年上映的《至爱梵高·星空之谜》吗？这部电影一出，几乎是瞬间刷爆了我的朋友圈。

《至爱梵高》电影海报

整部电影没啥大毛病，但是片尾的一句话让我觉得特别有问题：

“梵高被称为现代艺术之父”

抛开情怀、严肃较真地说，真正的现代艺术之父应该是保罗·塞尚。

但是因为他比较喜欢画苹果而不是星空，所以没人给他拍这种文艺电影。

如果我来拍关于塞尚的电影的话，海报应该是这样的：

第六幅画

《至爱塞尚·苹果之谜》 2018年

周七慎, 1994—

字写得真好

至于为什么说塞尚是现代艺术之父，以后再给大家说吧。（还在挖坑)

为了大致说清楚梵高的画与古典主义的人物画有什么区别，得先说一些稍微专业的东西：

按照黑格尔的理论来看，绘画艺术分为“形式”和“内容”两个部分，笔触、形状、轮廓、材料等属于“形式”，题材、色彩、寓意等属于“内容”。

在古典主义艺术中，画家们一直致力于研究“内容”，同时会有意无意地消解绘画的“形式”，也就是说，古典主义画家们会刻意的把笔触给藏匿起来，因此越是技术高超的古典主义绘画，越看不到人物、物体的轮廓线。

我们来看一副古典主义画家的自画像：

第七幅画

《自画像》 1790年

伊丽莎白·路易丝·维涅·勒布伦

Elisabeth Louise Vigee-Le Brun, 1755—1842

这里必须要简单介绍一下勒布伦夫人这位画家。

勒布伦夫人是欧洲艺术史上少有的几位出色的女性画家之一，她不仅是法兰西皇家绘画雕塑学院的院士，还曾一度是玛丽·安托瓦内特王后的御用宫廷画师之一。

她的肖像画有着女性独有的温柔感，大多数作品也呈现出平实感人的风格，我个人十分喜爱这位画家的作品。

现在我们来看一下两幅画的一些局部对比：

简单来说就是，梵高作画时使用的这种独特笔触，说明了他并不追求再现准确的形象、背景，而是在描绘客观真实的基础上，表现自己的内心所见所得。

因此一般来说，梵高等人完成了从印象主义到表现主义的过渡，走向了古典主义高墙外的一片天地。

尽管我们最近的两期文章，都把古典主义比作了一座高墙，但是这并不代表古典主义艺术就是落后的艺术，也不代表这种艺术思想是限制艺术发展的桎梏。

我们在不断探索艺术的可能性的同时，也要正视古典艺术带给了我们的理性、崇高、优雅的视觉体验，并不断回味它背后蕴含着丰富的思想内涵与人文历史。

艺术家们拆除古典主义的高墙，是为了表现更多样性、更自由的艺术，留下的则是人类艺术史上的一座精神丰碑。

本期的【七幅画】就讲到这里，鉴于之前几期文章都挖了好多坑，接下来的几期文章我们就为大家一一补上，敬请期待！