前言
《偶然的交错》这幅摄影作品，是本人第一次认真输出的黑白作品。本文也是本人第一次详述后期思路和处理过程，顺便讲解一些基础知识和个人感悟。希望能给新人一点借鉴，同时也请大师斧正。
原片来源：2017年2月9日上午，在进入北京雁栖湖国际会展中心前，注意到这个场景，快步跑过去，在早春的寒风中，用手机记录下这个画面。
本图是作为“京东摄影金像奖”参赛作品来处理的。选择这张手机片来处理并投稿没什么特殊的原因。只是想参与此比赛时，忽然就想起来它的“交错”。虽然手中尚积压有许多照片未处理，但那些“正经”的风光、人像将来有空自会按期处理，而这个小景也许错过本次契机就没机会了。所以我更愿意将本作视为一种新的尝试。
原片分析
1.左侧的立柱线条笔直硬朗，向上延伸，且为实景。
2.右侧玻璃映出的像柔和，有高光，且为虚景。
3.下方地面中，影子是立柱的继续延伸，同理反光是玻璃的延伸，在光影交错中会呈现四种类型的色块，边缘对比较强，线条斜直较有规律。
故而有刚柔并济、虚实结合、明暗交错这些特点在后期可以选择性的突出。
现在来看作品名为“交错”，显然我将兴趣点放在了地面的光影上，这也是为什么要处理成黑白的原因，即突出反差，摒除干扰。
于是就不得不提及本图根源性的前期短板——没有采用低机位拍摄。简单来说就是没蹲下拍，地面的占比、视角都使得主体表现力欠佳。不知大家是否可以想象一下：前景地面占比更大，光影长长的延伸到远处，立柱、玻璃由于仰视微微向后倾，那应该会更震撼。
半年前拍摄时，原图显然只是出于记录场景的“普通片”而非“艺术片”。这提醒我们摄影前后期协调一致的重要性。倒数第二章“临门一脚，功过难辨”将详述。
二次构图
开工先修复倾斜、畸变，特别是对于建筑这很重要，如此多线条长距离延伸，一定要“横平竖直”，这样后面调整选区也有好处，具体操作省略。
下面进入第一个关键节点——二次构图，即裁切。裁切是后期再创作的基础，可弥补前期构图不足，甚至可完全改变前期构图用意。
本图主要可以利用的特色还是地面的光影，所以要增强其表现力。这就需要我们首先抛弃掉顶部的柱子和梁结构。获取艺术表现力与单纯的记录不同，它需要明确的主次关系，需要有舍才有得。
最终采用宽幅面，来呈现分析中的左右元素对比，其介于当今电影两种主流比例——1.85:1和2.35:1之间，采用2.2:1。成为标准的比例只是作为参考，对于艺术输出来说不必当做束缚。
从尝试裁图到下面尝试定调，我已直接使用标准黑白（指PS中加黑白调整图层，默认参数）来观察，摒除彩色的干扰，因为我们的输出目标已定为黑白片。
定影调
按照经典的亚当斯“区域曝光”理论来进行判断，原片为标准中长调，也是日常生活中最常见的。
抱着实验精神（这一点做什么事情都很重要，现在太多“伸手党”），我们来试试看别的调性会不会带来什么特殊亮点。鉴于我们已经定下画面中的元素，恰当的表达他们肯定是需要有太阳的高光和影子的暗部的，用中调和短调都不太现实，所以我们就来看看“高长”和“低长”。
显然他们没带来什么喜人的效果，所以我们还是用最稳定的中长调好了，在中间调充分表现大部分细节，也有亮部和暗部的强烈对比，该亮的地方就亮，该暗的地方就暗。
控制反差
“反差”换句话说就是“明暗对比”。既然色彩信息都没有了，那么宏观上来看，反差就是唯一的核心表现力。这是黑白既好操作，又不好操作的原因。避免了多种多样色彩的麻烦，对新手来说好上手，可少操心；而失去色彩的表现力后，普通图片不那么容易出彩，这对于选材和处理经验都提出更高要求。
1. 黑白调整图层中的色彩滑块
在Photoshop中最标准的转黑白方式为，添加黑白调整图层。其它的转黑白方式及利弊在文末拓展阅读中会有介绍。
黑白调整图层的属性中有多种色彩滑块，可模拟镜头前的色彩滤镜，控制不同色彩光线的通过率。胶片黑白摄影中，色彩滤镜的运用十分普遍。比如通过红镜，减少天空蓝色光的通过，从而压暗天空，控制光比。如今数码时代，大家普遍采用原始RAW格式先记录最全面的信息，后期决定是否转黑白、如何转。
这里我轻微降低“红色值”，较大提高“黄色值”，也就是把原彩色画面中带有红色的部分，在当前黑白画面中变暗，同理黄色的部分则变亮。这样做的目的是把立柱稍稍变暗一点点，更扎实可靠；把地面阳光照耀的部分变亮，脱离原来过于温和的灰。
地面的光影交错中有4种区域——阳光直射、阳光直射叠加玻璃反射、立柱影子、立柱影子叠加玻璃反射，分别对应上图中1、2、4、3区域。可见增加“黄色值”只会影响阳光照射区域。
这就是第一步不太精确的大范围调整，相当于宏观上增加了画面的对比度。
2. 提亮远景的山
远景黑压压的山在此图中没什么用处，在明亮的天空背景中，出现浓重的黑色干扰近景，特别是使后排柱子立体感损失，被“淹没”。我们要把它提亮，制造一种远景在雾气的高光中有点模糊的感觉，这在现实中很常见，是比较合理的。
我们很容易在一些黑白极简摄影作品中找到类似例子，即把背景统统淡化，利用明暗分离层次突出暗的前景。
与一般的自然风光不同，建筑的边缘是非常明确的，所以在通过蒙版做局部调整时必须保证对边缘的精确控制，也就必须借助精确的选区。这种精确是像素级的，有些开始做的不到位后来发现不自然的地方，可能需要再通过仿制图章，甚至直接画笔上色的方式对像素进行修缮。
此处由于立柱笔直的特性，基本可以在PS竖直参考线的辅助下，用多边形工具把山选出来（后来发现钢笔工具更好用，因为便于分步撤销），作为选区，在曲线调整图层上建立蒙版。先选后建蒙版的话，蒙版的选区内范围就会自动生成白色，选区外为黑色（PS选区、蒙版基础知识如需补课自行百度）。
然后自然就是提曲线，瞬间山就亮了。此外再加点自然的“斑驳”感：新建图层，用滤镜->渲染->云彩（可重复用多个图层叠加，我叠了两层），复制同上蒙版以控制只对山施加影响，只不过这回需用较高不透明度的黑色笔刷把蒙版中的白色区域刷暗，否则我感觉这个云彩图层让山有点过亮。
现在可以看到处理后，远景与近景的成功分离；后排立柱立体感增强，“脱颖而出”；于是整个画面的层次感获得提升。
增强质感
在接下来的操作中，你会发现其实这里所谓“质感”还是通过调整反差来增强的。只不过相对于上一章的宏观调整，这些操作和效果都更接近微观，故而分开来谈。
接下来的局部调整，我们需要遵从一个光强分布的逻辑，以防只顾局部而扰乱整体，从而保证整体格局的和谐统一。
简单来说呢，就是左上角天空是太阳方向，最亮接近纯白；右上天空稍暗；左上最接近太阳的地面，以及右面三扇大玻璃中最左的顶部，这是最亮近景；最暗是立柱正面、立柱影子... ...
上图中灰度值省略了百分号，对应于下图“黑色”百分数。我们顺便继续引入“区域曝光法”中，亮度对于质感的影响。
地面亮部的灰度从二十多一直到六十多，亮度横跨5个区，覆盖中间调，是重点表现细节信息的地方。地面左上方，远远的最亮区域亮度不超2区，依然可以保留细节。影子和柱子的正面则要“坐实”，不必担心细节。
此外，后续将会提亮玻璃，其最亮处亮度可与地面最亮处持平，即PPT图中的2区与3区之间（上图中VIII、VII），可留存部分细节，但对于光滑的玻璃来说细节不重要。因玻璃中存在大量暗影，故不必担心其整体过亮或缺乏对比。
1. 地面的细节锐化
地面石板经过打磨没有大的凹凸，但是仍有较细粗糙表面的花岗岩，而非抛光大理石，可以通过“精细锐化”锐化的方式，为其增强质感。“锐化”就是在增强微观反差、边缘对比度。
“精细锐化”的具体操作是，先用较大半径做一次USM锐化，将大的线条（如石板之间的缝）凸显；再用较小半径做一次USM锐化，将小坑洼细节突出。
由于画面是宽横幅，前景地面在视距感受上距观者不近，所以要进一步凸显这种质感才便于察觉。我们再采用“表面锐化”的方式，原理为：复制两次图层，下面图层表面模糊后，用上面图层减去下面，即得到那些“不模糊”的“颗粒”细节，叠加在原始图层上。实际执行中，我是用雪人插件里的工具一键实现的。这个方法效果强烈要注意控制图层透明度（我这里用的70%）。
地面要保持由近及远逐渐模糊的空间感，这是利用质感分离层次，所以远景地面不必锐化，只需选出近处区域。立柱影子也被选进来，一起锐化，于是暗部产生很多噪点，我们还需把影子用钢笔工具选出建立选区，进行降噪平滑。
2. 玻璃的光泽
玻璃自然要赋予它玻璃该有质感——透亮的光泽。我首先尝试了“明度建筑”调整法，发现在这么短的长度上，且玻璃还映出很多杂物的情况下，不能类比摩天大楼的玻璃幕墙，效果不明显。
之后我还尝试了把玻璃上映出的杂像抹去，使其完全变光滑。但一是整体画面非极简风格的前提下，它会看上去很怪异；二是参赛要求后期处理不能影响真实性的判断。或许是我手法还不到位。
所以目前就采用简单粗暴的方式——添加一个白色填充图层（透明度37%）。或者选择直接拉曲线提亮，效果也类似。此步配合使用了明度蒙版，适当消除对暗部的影响，从而加大玻璃上的对比度。如果不加蒙版也可以（那就一定要用曲线，填充白色效果过于强烈），那便是选择平淡化玻璃上的暗部映像。
最后玻璃也要整体降噪，修复玻璃的光滑感。
3. 立柱的立体感
增强物体间的明暗对比，能够使物体间彼此分离，突出层次感；增强物体内部的明暗渐变，塑造反光特性，能够突出立体感。
这里在立柱正面不变的前提下，适当提亮立柱的侧面，通过刻画两个面对光线反射的不同来增强立体感。适当拉曲线提亮，选出所有侧面建蒙版控制。后面5个立柱侧面实在太暗，单独选出来，再建一个曲线调整图层轻微拉一点点，且透明度25%，亮度保持不超过前面的立柱。
因为立柱均属于暗部且手机画质不佳，原来就有不少噪点，所以最后还要记得对所有立柱正面、侧面降噪。不过不用降到和玻璃一样光滑，虽说在暗处较难察觉，也要适当留下一些粗糙感。
-- 关于图层管理
顺便介绍我的图层管理方式，其宗旨是各个局部的调整相隔离，做到随时重调任意局部后，效果即呈现在最终整体画面上。这是为避免，想修改之前调过的图层时，因其整体被盖在下面，新效果不能呈现到上层。工作流如下。
处理另一个局部前，在此前基础上盖印得到新图层。此时下层全部效果被“锁定”进新图层，再调整下层已无法展现效果，为做到各组“隔离”我们要“解锁”。方法就是通过蒙版选出当前要处理区区域，其它区域蒙版均为黑色，于是下层其它区域就“透”上来，完成隔离。这意味着，每个普通图层都要有蒙版控制；调整图层要么也有蒙版，要么酌情选择“剪切到图层”（也就是只影响下方一个图层）。
修饰瑕疵
其实这步工作一般是同矫正畸变一样作为最前面的预处理，不过这次前面都在“高谈阔论”思路、方向，所以瑕疵留到后面来修补。另外之前处理过程中也会产生些遗留问题，比如没处理好的选区边缘。
最后一点是情怀
至此就基本完工了。再观察画面，光线有些冰冷，缺一丝温度，我们可以为阳光增添一丝暖意。用曲线工具分通道调整，在高光区域将红色轻微提高，蓝色曲线轻微降低，再把图层透明度控制到40%，就为画面增添了褐色调。
从理论上来讲这张图片不再是纯粹的黑白了，但实际上是有暖调黑白一说的，可理解为某些胶片的特色，或者旧化后的黑白相纸效果。
临门一脚，功过难辨
如果你认为这就结束了，那未免过于平淡。好的故事总是充满戏剧性。
当我拿着如上版本在图虫上传，添加描述，就要按下发布按钮时，看着自己所写的分析，我又犹豫了。
一个念头告诉我，这宽幅右边的玻璃过于分散注意力，其中的虚像杂乱又不能抹去，可以再大胆点去掉。我当时是这样考虑的：对于常见的自然风景接片宽幅作品，通常画面两端的景物（例如远山）真实位置相距较远，即使两端在色彩、质感上相差较大，也很正常；但是对于此片十米范围内的建筑物来说，这立柱、玻璃、地面“三分天下”的局面似乎实在让人无处聚焦，恐要有所舍弃。
征求了一些朋友的意见，各执一词。最后还是一狠心投稿裁掉玻璃后的版本，稍显仓促。到现在也不好说究竟哪个更好，但我不知哪里来得一丝悔意。毕竟小时候老师告诫我们，交卷前临时大改都是错的。可以看到右侧光影来源的削弱，减少了反光的延伸感，也减少了画面中央的交错感。二次构图时对左右的保留量考虑过这点。现在这样做可能有违初衷，可创作周期跨两周多，期间工作繁杂，记得永远不要小看善变的人心~
归根结底，会有这样争议的原因还是前期拍摄没能采用低机位来凸显地面，不然左右立柱、玻璃只会是很好的陪衬与光影来源的交代，根本犯不上干扰。
其实比赛不重要，我已有机会将两个版本共同呈现给大家，大家也可一起探讨。在这里借机想要强调的还是摄影前后期协调一致的重要性。真正优秀的摄影作品，通常是拍摄前就先有目标意向；前期拍摄时等待最佳时机，尽量为后期创造条件；后期处理时向着目标再加工增强。一些新闻纪实类抓拍除外，但我相信很多新闻纪实作品也是作者早已明确主题，之后在盼望着一个表现形式。
一个典型的例子就是袁毅平老师创作《东方红》，从立意到发表用了3年时间。当他确定主题，心中已经有图景之后，便只需寻找一个最佳的时刻，用技术去“完结”它。于是1961年8月的一天来了。
结语
于是我们看到《偶然的交错》这样一个普通作品普通的诞生过程，没什么恢弘气势，也没什么力挽狂澜，有的只是静静地积累与一些简单地陈列。我希望能展现，“创作者都是带着镣铐跳舞”这一真理。
以摄影为例，前期有前期的局限——天气、地理位置、人的干扰、行政管制等；后期有后期的局限——前期拍定，后期技术有边界，除非完全“作画”。
我们必须学会在困难中寻求突破，必须靠着执着追求与不懈努力，才能换来最终成果。《偶然的交错》如是，任何创作都需这样炼成。
这篇文章也是本人在百忙之中，创下除论文外所写字数最多、时间跨度最长文章的记录（单位本职工作加班，简书还被人催稿）。这是又一次新的尝试与突破。
* 2019年12月移入新文集“照片讲给你听”。
