莫奈每天忙着为太阳画日记

莫奈是不断追逐太阳的画家

莫奈，印象派代表人物，他改变了追求物体外形的传统画法，通过捕捉稍纵即逝的光影效果，呈现出全然不同的艺术境界，被称为「光的诗人」。

克劳德·莫奈于1840年出生在法国巴黎，5岁时随全家搬到港口城市勒阿弗尔生活。父亲希望他继承杂货店，但小小的莫奈梦想成为艺术家。在一步步探索中，莫奈逐渐找到自己的风格。绘画时，他不囿于传统，忽略轮廓和阴影，着重光与色的表达，这种风格后来发展成印象主义。莫奈也成为19世纪法国印象主义画派的代表人物和创始人之一。

结识欧仁·布丹

15岁的莫奈，因他的木炭漫画而小有名气。有一次，在诺曼底的海滩上，他遇到艺术家欧仁·布丹。欧仁·布丹教他画油画，并鼓励他到巴黎进行正规系统的绘画学习。

巴黎学画

1862年，莫奈听从布丹的建议重返巴黎，在古典画派夏尔·格莱尔的画室学习。虽然莫奈的绘画理念跟老师的不一样，但他在这里认识了志同道合的好朋友雷诺阿、巴齐耶和西斯莱。

枫丹白露

离开格莱尔画室后，莫奈与朋友们来到枫丹白露，在附近的一个小村庄进行户外写生。他们共同创造了一种新的艺术手法，在户外和自然光线下用浓厚的油彩作画，这种绘画风格后来被称为印象派。

印象派的由来

1872年，莫奈被勒阿弗尔港的日出吸引，画了一幅写生。1874年，这幅名为《日出·印象》的画在独立画家展览会展出时，被评论家讽刺说只能给人留下一种印象，并以它的名字为参展画家命名“印象主义者”。这就是印象主义画派名称的由来。

最后的故乡

1883年，莫奈来到吉维尼小镇，在住处种植了一个美丽的大花园，他余生的大部分创作都在这个花园里完成。莫奈的晚年颇为坎坷，第二任妻子爱丽丝和长子相继去世，他的眼睛也出现问题。在重重打击和困扰下，莫奈坚持不懈，仍然创作出不朽的作品。

莫奈的光彩

Brilliance

蓝

对莫奈来说，蓝是特别的颜色。

落在凯米莉伞上的光和在划船的河面上反射的阴影都是太阳创造出的蓝色。

莫奈作品中的蓝色不仅限于表面。蓝色是由太阳光线、大气和水产生的颜色。森林灌木丛之外的世界，甚至海底世界，都用蓝色的变化来赋予想象。

蓝色是莫奈用光来表现空气和水的最重要的基本颜色。

《撑着阳伞的女人》

画中是莫奈的第一任妻子凯米莉和他们的大儿子杰在散步时，驻足凝望的瞬间。

莫奈时以仰视的角度进行的创作。在这幅画中，凯米莉和杰站在高处的草地上，脚边遍布着墨绿色的小草和淡黄色的花朵。凯米莉撑着绿色的阳伞侧身面对着我们，面容模糊朦胧，微风吹动着她的衣裙，湛蓝的天空中漂浮着的丝丝白云，仿佛也在风中游动，萦绕在凯米莉的身边，带着一种温和轻柔的婉约美。

莫奈在描绘天空时，用深深浅浅的蓝灰色晕染开，带来水一样清澈，透亮的视觉效果，长长的线条随意点染，画出影影绰绰的白云，看上去就像微风吹过后的睡眠，波光粼粼。

《撑阳伞的女人》共有三幅。凯米莉因病去世后，莫奈很想念她。1886年，莫奈让自己第二任妻子爱丽丝的大女儿苏珊做模特，又画了两幅《撑阳伞的女人》。

《撑着阳伞的女人》

红

对于莫奈来说，红色就是太阳本身。

但这不是白天的太阳。在白天发出白光的太阳，只有在一天日出和日落时散发着红光。莫奈对这种颜色有一种特殊的感觉。

红色只存在于每日过渡时间的某个时刻。这瞬间的光辉，对于追求光与时间的追求的莫奈来说，是何等的迷人。

《穿和服的女人》

画中的女子是莫奈的第一任妻子凯米莉，莫奈喜欢画风景，他画的肖像画较少，《穿和服的女人》和《绿衣女子》这两幅著名的肖像画，都是以凯米莉为模特画的。

这幅画里，凯米莉的姿态很夸张，像在表演戏剧。莫奈这幅画，其实是在模仿浮世绘的风格。夸张的肢体动作是日本浮世绘的特点。

日本浮世绘传到欧洲后产生了深远的影响，包括莫奈在内的很多画家都对浮世绘独特的风格赞叹有加，并在绘画中或多或少地尝试过这种风格。比如，梵高就用油画颜料临摹过浮世绘。慢慢地，追逐日本文化元素在法国成为一种时尚，莫奈也画了这样一幅流行时尚作品。

黄

黄色对于莫奈来说是一种柔和的光线。

画黄色时，莫奈经常把绿色放在旁边。向日葵的黄色被绿叶环绕，威尼斯的金光是绿色水面的微光。莫奈用黄色表达了“闪耀在绿色中的光”。

莫奈总是想象光的三原色与实际颜色的组合的同时，试图再现柔光。

《向日葵花束》

整体色调清新明亮，向日葵花朵是纯色的柠檬黄、棕黄，桌布是鲜艳的红色，花瓶以白色为主体、配以蓝色花纹。在自然光的照射下，画面的受光部分呈现微微的冷色，背光部分则是微微的暖色，形成对比。

莫奈曾不止一次地说：“一开始动手就应将画布铺满，无论多么粗糙，这样才能在一开始定下画面的基调。”这幅《向日葵花束》看重背景的处理，这种处理基于环境色的需求，也为画面的整体色调和氛围服务。

跟梵高的向日葵大不相同！

莫奈的向日葵描绘的是他印象中的静物，他捕捉的是写生时的光影变化与视觉感受，这里的向日葵自然而又柔美。梵高的向日葵表达的则是他心中的激情，他发掘的是静物内在的生命力，这里的向日葵炽热而又浓烈。

《向日葵花束》

绿

绿色也是莫奈的重要颜色。

绿色代表生命。莫奈选择绿色作为连接人与蓝色的颜色，他认为蓝色是颜色的基础。对于莫奈来说，绿色是一种活生生的东西，在那里你可以感受到人们的活动和呼吸。

一直对大气和光有意识的莫奈，用绿色来连接大气和人，把人当作空间的一部分。

《草地上的午餐》

这幅画的原画十分巨大，长6米，宽逾4米。因为莫奈贫困交迫，交不起房租，于是就把这幅画抵押给旅店老板。但由于保管不善，后来画回到莫奈手里时已经严重受潮，他不得不把完全坏掉的部分割去，把剩余的部分切分成三部分。第三部分没能保存下来，剩余的两部分现藏于法国巴黎奥赛美术馆，这幅《草地上的午餐》就是其中之一。也正因如此，现藏于俄罗斯莫斯科普希金国家艺术博物馆的《草地上的午餐》的习作格外珍贵。

画面中间，身穿白裙坐在地上、看起来十分温婉的女子，是莫奈的妻子凯米莉。莫奈喜欢让凯米莉做自己的模特，我们能在他的很多画里看到凯米莉的身影。莫奈的朋友巴齐耶也在这幅画中担任了数次模特，分别是画面中间与女士聊天的蓝衣男子，原画左半部分拿着手杖说话的男子等。

草地上、桌布上、人们肩膀上，亮闪闪的跳跃的光斑，泛着浅浅的蓝，美丽极了！层层叠叠的树叶只是简单的色块，华丽的衣服也一样，莫奈热爱光影，树叶和衣服在他眼里并不是那么重要。

《草地上的午餐》最早是马奈画的。马奈这幅画1863年在落选沙龙上展出，被很多人批评和嘲笑，人们认为画的内容有伤风化。但是他突破传统的理念鼓舞了一批青年画家，其中就包括莫奈，后来莫奈就借这幅《草地上的午餐》向马奈致敬。

白

莫奈也感受到了无色彩的白色。

比如凯米莉为莫奈摆出各种姿势穿的时髦白色连衣裙，喜鹊的雪景，自由漫步的白火鸡，不是用白色来表达亮度，而是被视为一种独特的颜色。

《喜鹊》

莫奈画了一个静谧的小村庄，大雪过后，地面、篱笆、树枝、屋顶上都铺了一层厚厚的雪，一只喜鹊懒懒地停在柴门上。阳光洒向白雪覆盖的小村庄，产生了奇妙的阴影和反光，仿佛嗅得到空气中的清冽。

喜鹊代表美好的祝福！这幅画里，世界一片白茫茫的，却有一只黑色的喜鹊，探头探脑地落在柴门上，它不飞走，一直在那儿。这似乎是莫奈想要表达的愿望，他希望喜鹊给人们带来吉祥和欢喜。

黑

莫奈的黑色包含无数种颜色。

画到阴影不是黑色就是棕色的时代，在户外绘画时莫奈才意识到阴影也有颜色。所以莫奈用了多种颜色来表现深黑色。

莫奈画了许多背光作品，但更多画的是阴影而不是光。

《普维尔海滩》

这件作品是 1865 年在沙龙展首次参展的两幅作品之一，均因其艺术价值而入选。

为了在沙龙中获奖，莫奈画了以往都没有涉及的海景画，并将其绘制成比平时更大的尺寸。

最后以美学大师蒋勋的一首诗作为今天的结尾。

他走进光，

看到“干草堆”，

看到“日出”，

看到“睡莲”，

看到生，也看到死亡，

给世界留下最美印象。

莫奈，

印象派大师，

光的追随者。

他一生在绘画里寻找光，

光成为他领悟生命的符咒。

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