人生诸事，大多需要严肃面对，这难免使人精神紧张。艺术却恰恰相反，不管是创造这种美还是享受这种美，这一过程都是一场愉快的游戏，一场纯感觉世界里的自由翱翔，给人带来精神上的松弛和心灵上的软化！
科学、哲学、雕塑、建筑、绘画、诗歌……不同于自然之美，所有人类创造的艺术之美都是向心灵的最高旨趣进发，一点点，一步步的去接近它、摘取它。人作为生物链顶端的动物，有其可以意识到自己心灵存在的独特性，艺术美正是人类心灵的投射，将外表的感性转化为内在的心灵。
艺术美的最终目的，在于用感性形象来表达人们内心的心灵理念，并以此带来最直接的观照，而不是用思维和纯粹心灵性的形式来表现，否则就失去了艺术美所表现的真正价值和意义。
14世纪，经济的复苏发展、城市的兴起带来了一场科学与艺术的革命，文艺复兴运动兴起，人文主义的核心充分肯定了人的价值和尊严，艺术的真正职责开始转变为帮助人们认识到心灵的最高旨趣。
被誉为“欧洲绘画之父”的文艺复兴艺术开创者乔托.迪.邦多纳，他的绘画构图单纯、简洁，有一种严肃而和谐的美。“绘画有热情的流露，生命的自白与神明的皈依”。文艺复兴绘画奠基者马萨乔，第一个将哥特式艺术的理想化倾向扭转到反映现实的方向上来，力争真实地反应实际场景，表现自然和人类的真实世界。“文艺复兴三杰”之一的拉斐尔，一生创作了众多的圣母及圣婴形象，他笔下的女性，仿佛是艺术家的天性流露。纯真优雅、自然庄重、明快清晰、和谐简洁的形象被后人推崇为理想美的范式。虽然是圣母，却聚集了意大利民间女性的魅力，有着人世间最能打动人心的母爱与情调。米开朗基罗代表了文艺复兴时期雕塑艺术的高峰，他一生追求艺术的完美。早期的作品大都是其内心的直白，具有神人兼备、明查人类情怀的力度；后期的作品更多体现了艺术家本人的心灵归宿，深刻表现出了其创作时悬而未决的封闭深度，美学的重心不再是艺术的创造物，而是艺术家与作品间纠缠不清的复杂关系。恩格斯在评价文艺复兴的论述中，把丢勒看做是与达芬奇一样的传奇人物。丢勒相信，艺术家必须要深入观察自然和竭力发掘宇宙的秘密，以揭示和表现美。当米开朗基罗以《大卫》展现人的完美和新生时，丢勒以同样高超的技法创作了蚀版画《圣尤斯塔斯》，将这位殉教者与神迹相遇的景象表现的如人间乐园。
完美的艺术，一定是理念和形象的结合，不仅仅有理念，而且表现理念的形式一定也是真实、完美的。艺术美的理想，就是绝对理念的尽可能体现。艺术的理想就是追求理念与形象的统一。通过感性的材料，得到外在的客观存在。
黑格尔认为，建筑是最早的艺术，而人居住的茅屋和庙宇是最早的建筑。建筑的任务在于通过对直接外在的物质进行无机自然加工，使它与心灵结成血肉姻缘，最终蜕变为符合艺术审美的外在世界。当地面上有了建筑，无机世界得到了净化，人们从外面世界指点出了内心的生活，开始尝试为这些作品赋予灵魂，雕刻的任务随之产生。如果说建筑表现的是事物形式的外在本身，那雕刻表现的就是蕴含其中的精神理念，直接用最符合表现精神人性的人的肉身，将肉身与精神的统一呈现出来，摆脱建筑无法摆脱的外在自然和环境，直指精神。从外在的建筑艺术，到客观的雕刻艺术，再到绘画、音乐和诗歌的主体艺术，艺术越不受物质的束缚，越发表现出心灵的活动，越自由、越高级，越接近艺术的本质和概念。
小男孩欣赏自己打的水漂，人终究要靠自己的实践来获得美的感受。艺术美取材于日常生活，将感性材料渗透至心灵更深处，带给我们美感，唤起一种更深更广的兴趣，不是人生的必需，更是一种多余的奢侈，一种对更高的心灵旨趣的不懈追求！
