记学琴之初

接触到古典音乐的起初

一个偶然的机会，接触了茱莉亚音乐学院的公开课。记得当时那种兴奋的心情，选修了这门公开课。

这是一门叫做“巴洛克乐器的古今”的演奏课。我心里想着：“有点意思，没有接触过这种别开生面的音乐课”。一面是学院的博士在表演J.S.Bach 的小提琴独奏，一面是另外一位演奏家使用巴洛克时代的小提琴进行表演。

巴洛克时代的小提琴，琴弦都是羊肠所做，特别地柔软易断。同时造成了调音上的难度，也就是我们经常所说的唱歌跑调。当然，乐器也会自己“跑调”变得不准确，需要演奏家自己不断地调整自己演奏的标准方法来“纠正”这偏差的音调。

[if !supportLists]第二，[endif]巴洛克时期的小提琴全部没有垫肩和腮托，这意味着不像现在演奏家可以用下巴就能腾出双手固定住小提琴。巴洛克时代的演奏家需要不停地用左手托起小提琴，造成了左手极大的疲劳。

（搜索BWV1041小提琴协奏曲可以对那个时代的曲风有一点了解）

这让我第一次对自己的小提琴产生了如此大的乐趣，也在心里埋下了对巴赫好感的一颗种子。当然，更重要的是我希望能够通过演奏和作曲不设限，不被音乐体制所限制。

找到演奏家进行咨询

听到真正合规的、世界级的古典演奏家的现场演奏已经是练习很久之后了。那是一位古典吉他演奏家，不愧是世界级的演奏家，对解释一系列曲目都有深刻独到的见解。

他是我的校友，我们意外地能够聊到一起。跟他谈到了演奏技能这个大问题，我们有很多的意见上的不同。当时我面临着许许多多的疑问，“怎样才算是演奏家的表演能力？”，“怎样学习才能变成一个得心应手的作曲家？”，“前路如何走下去？”

演奏家，人如其名，必须具有钢铁一般的手指基本功底（像汽车的引擎），这样才能面对各种不同速度、困难变化的挑战。

当然，更更重要的是对音乐的诠释。（像汽车的变速箱）如果音乐从头到尾的强度用1到100来表示。显然没有谁一直喜欢全部是100的强度吧，这就是失去了跌宕起伏和律动。即便是躁动的死亡摇滚，也存在细微的“相对”强弱，歌手会在歌曲高潮之时将情绪和声音提高到极致。

只有不断地提高自己的演奏能力才能到一个更好的平台发展。

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