这几天跟不少小伙伴讨论了关于音乐理解的问题，我觉得很有意义，拿出来和大家分享一下。

一说到弹钢琴的表情，我国有两位表情帝，一位是抽筋派云迪大师，另一位是癫狂派郎朗大师，但是我们今天讨论的，是他们的表情是在干嘛~

我们先想一个概念，舞台表现是什么呢？

其实归根结底是一种表演，但是我们也要清楚一点，钢琴是声音艺术而非视觉艺术，那钢琴家演奏的表情是什么？

有一次，郎朗曾经解释过，他的表情是为了理解音乐而去配合的，钢琴的演奏，或者说音乐的表现，一定是有情绪的，无论是明快还是悲伤，郎朗曾经用表情来去寻找那种状态。

比如欢快的乐段，用欢快的表情，可以让他更好的找到欢快的状态，以达到还原作曲家的意图，后来被他的钢琴老师说过一句话后，表情逐渐收敛。“虽然你表情开心了，但是你的声音并没有开心。”这句话让郎朗对音乐的理解又提升了一个高度，音乐并不停留在外表，而是声音。

有很多小伙伴问我，音乐理解到底是什么？

现在觉得音乐理解，就是理解音乐（废话）。。换种说法是理解音乐的叙述方式、再或者是用音来叙述。

我在刚开始喜欢音乐，想去探究的时候总是喜欢去挖掘作曲家的人生履历，然后往自己身上按，然后试着去理解作曲家的想法，其实郎朗大师的做法也是一样。

那究竟怎么思考音乐是正确的呢？

有的人说，是编一个故事，一个作曲家的故事，或者自己的故事，感同身受一下，尽可能去理解作曲家当时的心境。

也有人说，是去参照作曲家的人生，找到当时作曲家的状态，然后设身处地的思考一下，如果是自己是什么情绪。

无论怎么做，其实都是可以理解的，不过我们要清楚一点，那就是，音乐是艺术。

我们在读文学作品时，为什么不会考虑作者呢？

比如我在读《茶花女》的时候，我不会去向玛格丽特在小仲马的人生中，是谁，为什么刻画的如此逼真感人，小仲马经历了什么等等。

我会读进故事，而不会跳出来看。

在这里我不得不说一个问题，音乐是什么？

其实我对音乐的理解，就是用音符来诉说故事。

无论一本书还是一首曲子，作者或者作曲家的创作，都是源于生活高于生活的，如果我们用理解生活的眼光来理解文学或者音乐，就已经掉进一个怪圈了。

音乐对我而言，是一种高于语言的表达方式，它没有文字说明喜怒哀乐，但是你却可以听出其中的喜怒哀乐；它没有一个字，但是表达的情绪确是千言万语也无法说明，总说音乐是高于语言的艺术，因为它需要的只是演奏者和作曲家对音乐的理解，而不是对作曲家的理解。

对于琴童而言，这一点很不容易。

就像我们读书，我记得我小的时候被强迫看了一本书，《谁动了我的奶酪》，当时看真的是当做故事看的，就是小老鼠怎么找到奶酪，怎么失去奶酪，怎么再去找奶酪的故事，小的时候看，就当做故事看的，看的并不是后面深刻的道理与价值观，而是非常粗浅的形容词，比如高兴地、努力的等等，看过之后仅仅是记住了故事，并且总结能力也很糟糕。

但是随着成长，前几天又拿出来翻了一遍，感受就深刻了很多，我并没有觉得我的文化程度提升了，而是生活阅历增加了。

音乐我觉得也是这样，我们或许因为某一首乐曲而爱上音乐，虽然这首曲子是音乐，但是，音乐并不局限于某首曲子。

用音来讲故事，不需要语言，却能起到更深刻的共鸣，这就是我对音乐的理解。

还有一个误区，就是不要把练琴当做表演，演奏家在演奏的时候，内心想的最多的还是声音是不是动听，而不是大篇幅的故事，那样的话很容易出现技术处理的失误，并且，如果练习的时候也是这样，就糟糕了。

我也见过很多琴童，在弹琴的时候自己很投入，但是声音很难听，这就是属于自嗨型演奏，针对学习而言是很好的，学的很用心。

但是我还是建议，在练琴的时候不仅是多一点理解，而是多慢速练习，毕竟表演是上台以后的事情。

总结：

所有的故事，所有的传闻，其实都是作为理解音乐的辅助，就像肖邦很多练习曲的命名并非本人，都是后人的一些理解，由于形象比较贴切，最后就被定义了，其实这对于音乐而言，是局限了它的想象空间。

比如肖邦的练习曲op.10 no.12 我们把它定名为革命，其实定斗争也不是不对，定为任何与斗争相关的词都是比较贴切的，所以，音乐没有绝对的理解，而是需要多弹多听之后，有自己的理解。

音乐的理解，以量取胜，总之，多练琴吧，最美的光，往往在登上山顶之后，才会洒在身上。

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