在东京的台场和丰州，teamlab 今年开设了一家永久性的美术馆 MORI Building DIGITAL ART MUSEUM，以及一个运营至2020年的展览 teamLab Planets TOKYO ，大概的内容则是过去的体验作品的综合展示和体验，门票售价不菲。去年曾写过一篇介绍 Teamlab 的文章，大致介绍了其艺术理念：「teamLab的体验型艺术源于何处：技术×日本美术」。如果是没有去过 teamlab 展览的同学，值得一看。
不过这次并非想要围绕它来讨论，最近身边有同学对媒体艺术的创作产生了一些疑惑。媒体艺术是否有明确的创作目的， 是否有被选择的观众和受众，它和设计的区别和界限在什么地方等等，诸如此类的问题。
或许「媒体艺术」这个范围太大，我们可以把讨论的范围缩小到所谓的「沉浸式」艺术。
艺术圈和互联网圈对「沉浸式」这个定义都不陌生，所谓沉浸式艺术即由创作者 / 艺术家设定好空间，情绪和视觉，观众进入其中体验、感受，其共同点是作品大多都设置在一个近乎封闭的空间内。而所谓沉浸式产品，最好的例子就是「抖音」，以极低的操作成本，就可获得极高、极频繁的愉悦和刺激。
那沉浸式，是好亦坏呢？作为观众，我们可以从中获得什么呢？仅仅是愉悦，视觉的刺激，或是自拍吗？
这里有一些另外的例子，也许不是媒体艺术，但可以算是「沉浸式」的艺术。在北京的同学或许知道， James Turrell 有一件「Gathered Sky」系列的作品，永久陈列在智珠寺，你可以在周末的黄昏时分去放空自己（我喜欢他的作品或许是因为和罗斯科的相似性）。以及前段时间，埃利亚松在北京红砖美术馆的展览『奥拉维尔·埃利亚松：道隐无名』。作品本身不做过多的介绍，但我们或许可以看到此类作品与 teamlab 等艺术团体的创作的区别。
我没有去过北京智珠寺的现场，但我感受过 James Turrell 在日本越后妻有的另一件同系列的作品。我可以感觉到的是，艺术家以自己的思考和感受塑造了作品，这种赋予给观众的独特的的体验，来源于作者对光、空间、色彩等艺术形式的思考、想象和总结。观众在作品的引导下体验，放空自己，对自己发问，对艺术家发问，可以说是双向的交流。
而在我体验过两次 teamlab 的展览后，我所感觉到的是， teamlab 的创作团队是在通过塑造多感官的体验，以各种视觉的形式吸引观众，尽力让观众享受这个体验。也就是说 teamlab 是从观众如何能更加享受的角度，来制作此类体验艺术。他所呈现的结果，如之所见，确实极受欢迎，尤其是一二线城市中，追求新鲜、艺术感的时尚青年。极端一点，用用户体验领域的话语体系比喻的话，可以说是很以用户为中心了。
表达、引发思考，或者愉悦、享受体验，这就是 teamlab 和 James Turrell 在创作上出发点的不同了。两者对观众来说或许并无高下之分，但在美术馆-展览-艺术家这一评价体系中，两者的地位可能截然不同。
接着，我们再从自身的角度出发来想想。
所谓观众，对作品的反应是直观感受作品的氛围，再思考其概念，扩宽自己的思维，亦有可能被作者所表达和呈现的东西打动到内心。另一方面，也想要凸显绚丽光影中的自己的身影，也想要拍出自己的艺术的一面。
这些都是自我的选择，也是自身思维和社交网络影响力的反应。
但需要思考的是，当你在观看时，你的观看对象是作品里的自己，还是作品本身？当下你是在思考这件作品，还是在想着作品里的自己？当你在观看时，你的体验是受限的，还是无限的？
于是到最后，其实我们需要什么，我们就能得到什么。
