·随着科技社会高速发展，学徒、设计师、艺术家这些称谓的概念越发混乱模糊，到底应该怎样客观地评价别人及审视自己？我闲暇之间捋了捋，也给大家参考参考。（只说说美术类）
·开头先明确在这三者的变化过程中，没有清楚的界限，过程是暧昧且潜移默化的。
·从学徒开始说起，大部分人起初都是从基础的美术教育学起，中国的国画与书法，西画的素描速写色彩。这一阶段学习基本的美术技法，并在一定程度上掌握某种技法，进而尝试创作设计。这就是大多数人的学徒阶段了，但也有极少个例在这一阶段就已经是艺术家了，比如梵高。梵高即天才也是愚者，他的画从头到尾就印着他的名字。
梵高早期️
中后期️
从《海边的渔夫》这张就可以看出他跟别人不一样，完全可以说根本不会画画，脸都没画完。但就像陈丹青说的，这张实在画得太tm好了。梵高就是梵高，你让他参加现在的艺考去考国美央美，他是打死也考不进的。美院就是艺术的坟墓——陈丹青，我到觉得美院是艺术的屠宰场，那些幸存的宛若新生还留下可能性。
·接下来就到设计师阶段，这一阶段还包括好多称谓，比如：画手、画师、画工、画匠、插画师、概念设计师、平面设计师等等。其中“匠”这个分类上下限差距比较大，下至匠人，在古代有木匠、工匠等，上至大国工匠啥的类似艺术家，我暂且把它归到设计师里。师：指传授知识、技术的人；掌握某种专门知识、技术的人。
·在设计师这边就特别混乱了，我以平面设计师为例，现在普通广告公司里的设计师日常工作大多以拼贴为主，自己的主观输出较少，有自身能力的原因，也有因项目受限的原因等等，例如淘宝广告海报这些。这里的工作内容更像是个裁缝，缝合各种元素，充当公司的工具人，虽然也叫设计师，但有些名不符实。怎么才算设计创作呢，其实创作是个很有高度的词，我一直没法创作，创作没有绝对性，所有的创作都是有参考的，经由设计师或艺术家的精炼、变化、表达再输出。但你至少得会一点，如果只会单纯的拼贴，那就不算设计。我欢喜一个叫倪传婧的插画师，她的插画运用在平面类简直绝妙。
工具人和设计师没有高低贵贱，工具人也是为了恰饭而努力工作，这份坚韧的心令人敬佩，二者活法不一样罢了。
·有些概念设计师或原画师，管建完模型后贴图叫画画，这也很奇怪，那真的从头画到尾的叫啥嘞，两者必定是不一样，要不叫贴图要不叫做图咯，你说是画的，那人学生不懂的还真以为是画不就混乱了。（顺便吐槽一下）
·最后到艺术家，以我个人对艺术家的理解，要求比较独特，也有很多是个人的主观色彩。首先，家：1.指掌握某种专门学识或从事某种专门活动的人。2.学术流派。艺术家是独立存在的个体，每个人都是独特不同的。就算是同为印象派，每个画家之间也不一样，有不同的主观意向，共同点肯定远少于区别。比如莫奈、毕加索，他们的作品都对世界有很大的影响力。也不能说影响力大就是艺术家，也有作品很神，人不出名的，比如韩卓弘（开个玩笑，还没称得上作品的图呢：）很多艺术家都用光线和造型表达自己的情感和观念，他们的美术技法已经老练，创作的重点就是表达，强化美化事物的感觉。“美”始终就是选择，而如果选择不涉及描写对象的话，那么也总是体现在描写这种对象的方法上。也就是说，如果对象本身并不美，那么画家的任务就是要找到描写它的艺术美的形式。Brouer的素描、委拉斯凯兹的光线造型就证明了这一点。但是也有例外，哥雅就没有这些，在他的构图上，精神得到了充分可视的、亦即感性的表现。但是（全部问题也就在于），这种表现不依赖于任何一种被认为美的形式。为了适应精神，感性的形式无需追求独立。热情之所以被克制，并不是由于它进入了形式的抽象概念，它之所以被克制乃是由于对热情的表现本身的主动性，这里的画家在创作时是离开了传统形式的。
·快乐与难过这两种情感是对立共存的，快乐的产生需要难过，快乐并不能独立存在。画家的创作需要对比，有暗才有亮。
·艺术家的归类还是看个人理解，你也可以说梵高是个完全不会画画的傻逼，如果你是古典沙龙绘画狂热者…但不得不说，他们的作品都有耐人寻味，也有很大的影响力。
《五月三日的枪杀》
要具体细说我也懒，学识也不够，就这么简单口嗨一下，谢谢盆油们～
