今天继续看安杰伊瓦伊达的《我们一起拍片》3/4。
2/21【11/88】
21 胶片感光度与摄影风格
变焦镜头出现后，便热衷于拍长镜头。
数个短镜头集聚在一起，制造出一种有强烈亲密感的气氛。
照明和摄影逐渐成为一体，成为同一个艺术家的工作。
22 导演的双眼
导演观察的事：
1）演员的演出
2）摄像机的移动和表演进行的步调是否同步
3）整个摄制组的动态（是否专注，能否有建设性建议）
4）灯光和构想中的一致吗？
5）天空的情况，拍摄过程会持续多久？会不会有一片云飘过来遮住太阳？
6）摄影机焦点对准的演员会不会撞碎那只昂贵的花瓶？麦克风那么低，会不会穿帮？
想要做到分毫不差，须由导演全权控制。
23 如何将一段喋喋不休的对话呈现在银幕上
毋庸置疑，对话目前已主宰了电影。因此我们的任务便在于找出拍摄对话的最好方法，以求保留一些电影本身的合理原则。
如果一段戏中的对话很多，最好借由摄影机的运动让整个过程看起来“动态”一些。（《让子弹飞》鸿门宴的环形拍摄）或者“斜瞥实现”withering gaze。
24 不要太近，也不要太远
想表现长廊深邃你得把摄影机放在入口。想呈现山岳高大时，机位要离得很远。
举例拍埃菲尔铁塔要想拍得印象深刻、仿若初见的话，应该：
1）先从远方拍。只有和周遭的城市建筑相较，才能感受到它的巨大。
2）将镜头稍微移近。看到塔底像蚂蚁般大的人。然后让人物开始由那看来永无终止的楼梯一步步往上爬。再将镜头转到另一个搭电梯往上的人。
3）人脸的特写。刚才的小蚂蚁，现在自塔顶俯视巴黎，看着整个巴黎景物罗列脚下，画面中的人似乎拥有这整个城市，体会到埃菲尔铁塔的创建者的心情。
25 神奇之事：在光影的国度
打光事电影艺术中最精致微妙的范畴。
要小心的是，如果在同一部电影中用了太多不同焦距的镜头，可能会破坏整个电影风格的统一性。（让观众在不知不觉中切换镜头）
事件本身不再是最重要的，你看它的方式决定了一切。
影片中的每一场戏，你都得为它选个适当的时间来拍。白天或晚上得由故事情节来决定。但反过来说，你也可以利用光线元素，选择表现白天、黑夜、清晨、薄暮，以传达给观众一些信息。
夜景的处理：在场景中放一个光源便可以。用一根闪烁的蜡烛、一盏亮起的灯，告诉观众银幕上的戏发生在晚上。
26 别忘了给眼睛打光
尽一切具有创造性的方法，尽量维持动作的进行与眼睛美之间的平衡。
27 上头写着“导演”两字的那张没用的椅子
首先，拍摄团队必须相信自己正和一个天生赢家共事，只有导演自身在拍片现场以身作则，才有办法向他们证明这一点。（其他事情何尝不是如此）
任何人事都可以出差错，只有导演不论晴雨，不论何时何地，都必须站得笔直，为处理可能的问题做好准备。
在拍片现场，导演是幕后人员及演员灵感与活力的来源。
28 导演永远在寻求确保影片成功的法则
作者的检验方法：如果这场戏可以使我胃痛，表示它引发了我强烈的情绪反应。
29 艺术如何存在于这一切之间
艺术本身并不是你能准确捕捉并具体提掌握的东西。（艺术的偶然性）
电影的艺术性到底存在于何处？我的回答是：到处都是，只要你能发掘它。
30 是醉？是醒？
恐惧本身不一定会使人软弱无力。但不恰当的恐惧会使导演变成庞然巨兽，他会借由苛责幕后人员及演员来减轻自己的焦虑感。另一个则是坚持每个镜头都要重拍上十余次，这是荒谬的做法，这样做只是增加导演自己的权威感而已。
另一种在工作上常犯的错误是花太多时间及精力在细节上。
为了避免掉入上述的陷阱，我认为刚开始拍电影时，动作最好快一点。拍的快，你可以抓住一些不错的东西。加快脚步，为你的工作注入一些力度。找些方法发泄导演一直压抑的东西，例如喝酒。但是只有一个清醒的导演才能做到全神贯注，尽量客观地将智慧贯注于镜头上。
