看到简友“素心执画笔”的一篇学习素描的文章，让我思考了这样的问题：自学绘画者需要像美术生那样“系统”的学素描吗？
看的出来这个简友很热爱绘画，也自学了，并且学的很好。后来她决定报班学习“系统”的素描，并发了作业，非常不错。她提到学习中心态的变化。我并不奇怪这个变化，因为我也曾短暂当过国内应试美术班的老师～
这个大概是很多自学者会遇到的选择。学习这类素描，有利有弊。
评论如下：
看了你的文章，觉得你热爱绘画，也花了好多时间去学习。
“我在最初自学绘画的时候，因为什么都不懂，反而会对自己笔下出来的东西比较满意，所以那段时间越画越开心，因为不断在积累经验，所以能够看得到自己的进步，又因为不懂绘画的基础理论，所以根本看不到自己的问题。”（简友文章的片段）
虽然学习这类考前的技术（基本国内也没有其他系统）会获得好多技巧，但是我鼓励你也要保持文章里你自己说的那句“因为什么都不懂，所以越画越开心。”因为这个才是美术里最重要的。快乐是因为感觉到了美，但是有时候会力不从心，因为技术不足够支持你表现那个美。所以，实际上即使是学技巧，应该也是一样快乐的，因为你越来越接近自己想做的，越来越自由。
而文章中这类素描，虽然有时候也讲美，但是那个“美”和我们本来感觉到的美不是一回事。举个例子，他（不是特别说你老师，因为这个就是国内的应试体系）强调体积，如果没有体积，就说不美。但实际上有时候一些物体处在某个特定的构图部位，没有体积才美；还有他们强调强烈的对比，但是如果每个物体都强烈，那就没有一个强烈，等等。
我想我在多管闲事了。但是最后，为了更好说明，我分析一下这个夏尔丹的作品，用来辅助我上面说的问题。
这本来是有颜色的，但是我们用素描的角度去看。每一个部位都是有它的作用，这个作用就是美。当然，他也需要体积，对比，空间等等；然而出发点却不同，因为目的是美，所以所有因素都是为了这个服务，而不是反过来。 比如，这个杯子是透明的，你试着（用手指）把他遮住去看，会发现没有它，罐子的美都减少了，整体也单调了；当中白色的蒜，如果把他们遮住，画面就太暗了；右边的暗色叶子和白色也是一样 ，如果去掉他们，画面就了一个“节奏”（趣味）。所以你会发现，没有一个部位是多余的，所有物体都在互相提升美感，因为如果多余，作者就不会画了 。
如果从美的角度出发，即使应试类的素描再精湛，都是错误百出。我并不是反对学这些（因为也没有其它的），而是提醒不要忘了那个“越画越开心”的感觉，那个才是检验我们是不是在走正确的路的保障。
如果再分析这幅静物的颜色，尤其当你更懂美术后，最后你会发现根本不可能用技术的途径做到这么美。所有颜色，明暗虚实，节奏等等全都恰到好处（多一点点体积是错的，多一点点对比也是错的，多一点颜色也是错的）。怎么可能？我觉得不可能，最终“美术的奇迹”，靠的还是那份“越画越快乐”的直觉的神奇力量。
