前几天看了一期圆桌派，讨论的是传统文化相关的话题。受到不少启发。
1 票友和粉丝的区别
主持人提到现在的粉丝追星虽然狂热，但是没有票友那样自己有“戏瘾”的，比如西方歌剧或电影观众，没有人说自己也要上台去演。这是挺有意思的事情，这样的喜欢算“嗜好”，和一般的看个热闹的“爱好”是不一样的。我本人喜欢这个远远没到嗜好的地步，不过这倒是可以作为小众艺术的一个发展方向，难听点说叫“不务正业”，好听点就是观众和演员共同参与，这和其他艺术就有区别了。正是有这样的票友，演员是绝对不敢“应付”的，因为底下坐的人比你还懂啊，糊弄不过去。
更早的还有昆曲的曲友，过去的文人士大夫认为学习曲律是很“风雅”的，但自己抛头露面让人观赏确实不入流的。所以那个时候出现很多“家班”，也就是有钱有权人自己养的伶人，所以他们的唱曲水平很高，但表演身段可能不如后来的京剧，因为京剧是大众艺术，要让更多人看到，要有玩意儿。当年的票友可比现在的粉丝还狂热，甚至闹出人命什么的。伶人有他们自己独特的魅力，票友自己借着这种机会也体验一下“不一样的人生”，所以说互相促进。想必那时候观演气氛是很好的，台上台下共同创造，一起决定了一出戏的面貌。所以剧情变得更次要，因为大家都很熟，于是重点变成了美感和技术。
2 技术在先
说到技术先行，戏曲是和西方戏剧截然不同的。现代人看惯了电影，电视，动漫，不自觉地用这些东西的标准要求戏曲，戏曲当然达不到，于是就知音寥寥。戏曲的形式就是内容，西方影剧体系总是技术为故事服务，戏曲是反过来的，剧情为技术服务，是为了把技术串联起来，美感在先，意义在后。没有技术的锤炼，演员在台上做不到有美感，戏曲演员的魅力不只是演员自己的，还有他们身上的功夫。
去看一些大师们的录像，年代久远，画质很差，他们那时也不再年轻，但可以说是越看越美。“定格在任何一个画面都是完美的”，这就是戏曲演员的功夫，要看现场才能体会，所以不管多么无奈，我认为我们再也无法体会当年台上的美感，因为“人在艺在，人亡艺失”，舞台上的行为是瞬间的。“台上一分钟，台下十年功”，为了一瞬间的美感，演员要做出巨大的付出。
我们今天没有以前的文化氛围，以后也不会有；今天的戏校学生也不可能像以前那样学戏，所以我们再也看不到以前那样的演出了。这才是戏曲或者说传统艺术最无奈之处，说它必然没落，从这个角度说是对的，因为以后都不可能超过前人了，可是电影、电视、电子游戏、动漫不是这样的，它们一直在进步，以技术服从于艺术，它们可以借助技术进步，传统艺术可以说是完全借助不上。
3 传播小众艺术的方式有讲究
传统文化的氛围不再了，可是作为一种文化，还是必须传承的，比起日本的，韩国的和欧洲国家的传统艺术，中国的传承其实不差。因为中国不是项目少，恰恰相反，中国是项目太多，摊薄了资源。有很多传统艺术和手工艺的传人在默默坚守，但是宣传和产业化太差，所以大众不了解。
这点大概真的要像东邻学习了，他们像“西方大国”借了这么多东西，除了自己发展，更重要的是产业化。比如忍者文化，各种深入研发，形成文化产业，不仅本国有人接受，还可以输出文化。我们的传统文化比他丰富的多，但要说形成产业的几乎没有，所以不能把它当作负担，要认真学习，认真开发。
戏曲是有欣赏门槛的，因为有许多典故，即时看了字幕许多人也不理解。对于审美上的看点，更是不明所以。因为习惯了电影，电视、动漫，还想在戏曲里找这些东西，一概没有。比较典型的，戏迷一般不喜欢新戏，恨不得求他们别演新戏，可是不听戏的人经常第一句就问：“怎么都是一个调没有新的？”因为他们不知道看点在哪，就注意到“没有新的”这一点了。就像刚开始接触一个人，看到他或她有一处特别膈应的缺点，那我们也没兴趣再去了解她或他的其他优点了，时间有限，我们本来就有很多不膈应的人可看，看不过来呢，何必再去找罪受？
更可怕的是有些“老戏迷”喜欢讽刺打击“小白”，动不动就说人家不懂。可是电影明星的粉丝也吵，没听说过谁说“你怎么喜欢这个片子，你不懂电影”，“你怎么喜欢这个演员，你不懂电视剧”。新来的好不容易有好奇心，他们不懂老观众应该引导帮助，帮不上就算了，还要打击讽刺，简直是“一粉顶十黑”。
4 未来的“白痴化”
快结尾的时候，王蒙先生提到科技让人“白痴化”，因为科技产品越来越进步，但是操作却越来越“傻瓜”，所以是小部分有知识的人“玩”了大部分人。我认为这种情况有可能存在，也有更大的可能不会发生。因为借助网络，知识复制和传播的成本也极大的降低了，教育普及也在推进，这种差距倒未必真的有那么巨大。
普通人不是没有进步，尤其是中国，我们有后发优势，关键在于我们会不会去学习。欧美那种几百年的大家族，大财团，那才是“old money”，一般人是无法企及的，但是这一点也在不断受到新技术的挑战。因为有了新技术规则就变了，以前的资源分配其实也变了，东西还在每个人手里，但是价值变了。戏曲这样传统艺术的存在也是和这种简单“复制粘贴”做的对抗。
