以前上美术课的时候老师会讲到梵高的向日葵，当时左看右看除了色彩明亮之外看不出好，《星夜》倒是唯一觉着有点出彩，像科幻小说......现在回想起来，当时看到的向日葵就只是向日葵，因为不了解画家的生平，不懂背后的故事。今天朋友提起梵高，看了电影《至爱梵高》，又重新查找翻看梵高的画作，梵高的生平介绍。
梵高是一个怎样的人？他曾经怎样地活着？他给世界奉献了什么？
对于人，他善良。一个小女孩找梵高画画，他马上把小女孩抱到腿上，手把手地教她，一脸开心。当小女孩的妈妈抱走她，梵高手足无措地说:“她没有打扰到我……她没有打扰到我……”语气温柔。他向加歇医生感念卢兰一家，他每天辛勤作画、阅读大部头书之后还要坚持给弟弟提奥写信，他毫不犹豫地指出加歇医生在艺术上的缺陷，指责他不敢面对真实的自己，在玛格列特逃避自己之后也并没有纠缠，这就是梵高的爱：炽烈。
他热爱所有有生命的事物。一只乌鸦停留在他的面包，也能让他高兴地笑。他说：“当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正在把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。”“他欣赏这些花朵的娇柔与美丽，甚至欣赏那些细枝粗叶，生命对他来说，没什么是微不足道低贱粗鄙的。”
梵高的画好在哪儿？一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。梵高的生活不堪和落魄，但是他的作品里永远是明亮的，美好的，纯真的，积极的。
有个性，不媚俗，敢于尝试和创新，表达了真实情感，这很伟大。景物在画家的头脑中经过重新构造和抽象，更能抓住所描绘景物的本质，突出主观感受。
在慢慢了解梵高的过程中，发现自己爱上了他的纯粹与坚持。他代表着对生活的坚毅，和对艺术的执着。
我不知道世间有什么是确定不变的，我只知道一看到星星就会开始做梦——文森特·梵高
补充：
因为梵高，又看了莫纳，看了毕加索的画
莫纳：主要是强调不同的光影对色彩的变化，莫纳有许多捕捉同一景物在不同光线下色彩的油画，也就像是照片上加了不同效果的滤镜。
梵高：将心境画入作品中，主观意识的表现取代了客观的描绘。
毕加索：只有少数看得懂，其他都完全看不懂。
百度了关于毕加索画的解析，回答很简单，更多是解释为什么有些画看不懂？
链接：https://www.zhihu.com/question/19934954/answer/25979665
普通大众看一张画，比如一张肖像，第一反应回答会是什么？ 通常答案会是：画的真像 OR 画的不像。他们判断一张绘画作品的好坏标准就是“像”与“不像”，没有美术修养的人往往会默认性地选择“现实主义”的评判标准（这里不含任何褒贬意）因为人的判断不可能超越他的认知范围，也就是说，大众选择“现实主义标准”其实是没得选（唯一选项）。
毕加索在美术史上一个很大的贡献就在于他的“解构主义”，这是一个全新的思路，完全背弃了古老的“现实主义”。为什么大众会说看不懂毕加索的画，其实很简单：因为你们在用“现实主义”的眼光去审视“解构主义”的作品，两者完全不兼容，看得懂才奇怪了，明白？（那些东扯西扯，说的云里雾里的家伙，其实自己不懂。）我可以把我的观点进一步拓展：比如拿“印象派”与“后印象派”做一个比较。印象派（开山鼻祖：莫奈同学）的宗旨就是玩色彩（自然色彩），捕捉真实光照环境下，绘画对象的自然色彩关系。而后印象派（比如大名鼎鼎的疯子，梵高）则完全相反，后印象派的用色完全出于主观意识，与客观光线，色彩关系不大。由此得出结论：你无法用印象派的眼光去欣赏梵高。（两者观念南辕北辙）再举个例子：古典主义和刚才提到过的印象派。古典非常讲究造型，画面让人感觉真实可信（现实主义倾向明显）；印象派的祖师爷莫奈的主张与前者背道而驰，讲究明快的用色，排斥古典主义的严谨造型（懂点西洋美术史的人应该知道）；换句话说，你用欣赏古典主义油画的眼光去看莫奈的画，你会发自内心的嘲笑莫奈：这个傻子压根不会画画（对不起，祖师爷）。历史上的实际情况也是如此，莫奈的画作刚刚以印象派面出现时，几乎没有人认同他的作品。
结论：人类与生俱来的默认视觉母语是“现实主义”。看不懂一种艺术形式的原因是“语言不通”，无法识别。
在我看来，没有真正的好或不好，能做的就是按照自己的想法去理解，这个作品是否能带给你感动，带给你新的启发和想法，让你多一个角度认识世界。
