作为非专业人士，我们想要了解艺术，应该通过什么方法呢？
1.我们需要什么样的艺术解读
听专业人士的解读，但是听谁的、怎么听，也值得想一想。专业人士的任务不是表达对大众表达自己的好恶，而是讲清楚里面的道道。
比如毕加索为什么要直接把一个破藤椅片粘在画布上，你要告诉我这个，而不是大谈特谈你主观主感受。
2.解读艺术，应该听谁的
那如果知识分子不靠谱，咱们请个画家来给咱解释解释，这样行不行呢？那就更不行了。 因为创作 和阐释完全是两码事。画家会画不会说，知识分子会说不会画。艺术的实践和对艺术的阐释就成了分裂的东西。 那你说，知识分子文化大，我们画家画完了就由着你们说了，行不行呢？也不行！
1910年，有个叫多热莱斯的记者找了个公证人，找了头驴。在驴尾巴上绑上画笔，在驴屁股后面支了块画布，然后就喂驴吃胡萝卜，把驴美得直摇尾巴。这么着，一幅画就成了。
还给起了个特别高大上的名字，叫《阿德里阿蒂克的日落》，镶了个框就送去参展了。
好评如潮啊！法国评论界全都嗨起来了，生命的喜悦啊，灵魂的悸动啊，命运的抗争啊，又夸了六万多字高高的。然后，多热莱斯公布了真相。你说说，情何以堪呢？
艺术的创作与对艺术的阐释，就成了一个很尖锐的矛盾。
正是在这样的背景下，艺术史这门学问应运而生。对艺术进行阐释，就是把一幅画转化为文字符号。对艺术进行禅师的专业人士，不能是个画家，而是艺术史专业人士。
3.什么是艺术史
艺术史并不是关于艺术的历史，而是对艺术观念谱系的梳理。
关于艺术的历史一般就是个人生平＋作品这种说法。 比如我们说莫奈，他1840年出生于巴黎，爸爸是开小店的，莫奈画了《日出·印象》，老了搬到吉维尼花园后开始画《睡莲》。但是，个人生平却并不能有效地解释作品，而只是给了一堆感受。
而艺术史的任务，则是要回答这样一些问题：莫奈为什么要把睡莲画成这个样子？毕加索为什么要把藤椅片贴到画布上？在眼睛所见到的东西之外的那个“为什么”，才是我们真正想知道的。
艺术史的四个研究方法
第一，关注质料和技术。
比如为什么《最后的晚餐》上有那么大面积发黑和剥落，其实是因为达·芬奇不恰当地用油画取代了蛋彩。
再比如为什么文艺复兴时期画里的人有那么多左撇子？一个可能的解释是当时的画家普遍使用小孔成像法，把要画的人通过小孔投影到暗室的平面上，帮助他们准确地画出形体。
第二，就是对画面出现的所有东西给出一个解释，画家为什么要让这个东西入画。
比如凡·艾克的名画《阿尔诺菲尼夫妻像》。
为什么有一双拖鞋？为什么要画一只小狗？画家为什么要把名字签在镜子上方？窗台为什么要放个橘子？大白天的为啥要点蜡烛啊？
这么解读一幅画的方式，叫图像志，这个门派的代表人物是潘诺夫斯基。
不过这个学派存在一个风险，就是过度诠释。尤其到了现代，人家画家往往没想那么多，就是为了好看，为了装饰，那图像志这个办法就不一定行得通。
第三，就是相信绘画这东西，存在着风格演进的内在逻辑。
每一代画家，或多或少总是会受到前一代画家的影响，他们之间存在着发展逻辑及传承的关系。代表人物瑞士艺术史学者沃尔夫林，他认为绘画有一种内在的、自洽的、与外界环境无关的风格。
他打过一个比方，艺术的演进好比是一块石头滚下山坡，山坡的表面坑坑洼洼、有软有硬还有树枝，这个石头在滚的过程当中，就会不规则地弹跳。这个石头的蹦蹦跳跳，就相当于是艺术在跟现实互动，受外界影响。但是，不管这块石头再怎么运动，都受到万有引力的支配，会一直向下滚。就是说，不管怎么跟外界互动，艺术风格还是有它内在和普遍的倾向的。
第四，觉得绘画这东西没有什么内向的东西，而是像雷诺阿说的，艺术家只是“小溪里的一个软木塞”，随波逐流，被动地反映了外部世界。
这一派的代表人物是《艺术哲学》的作者---法国的丹纳。他认为一切事物，包括绘画，只要输入种族、时代和环境这三个参数，你就能得到正确的解释。
对于业余爱好者来说，还有一个最简化的方案，就是从艺术史最后一个问题入手：艺术与社会的互动应答，这也是顾衡老师这个课程的基本方法。
用英国著名艺术史学家巴克森德尔的话说，就是先造一个“时代之眼”（The period eye）。
比如介绍莫奈，就会透过这双“时代之眼”，先还原他所处的社会环境。
当时社会气氛怎么样？
大家是喜气洋洋的还是愁眉苦脸的？
当时出现了什么新技术让大家最感兴趣？
当时最流行的文学运动和哲学流派是什么？
那顺着这一路下来，找到艺术流派演进的那个“地心引力”，这也是该课程的精髓。
