[美]Bethany Rooney\Mary Lou Belli 著；高剪妩 等 译。
阅读笔记
1、本书框架：准备——拍摄——后期——成为导演
【准备】-【按故事分解剧本】
2、导演，西德尼·波拉克（Sydney Pollack）：“导演是电影的讲述者，导演讲电影就像讲故事，只不过他讲的是电影。”
3、基本的戏剧结构由三部分构成：上升行动（rising action）、高潮（climax）和结局（denouement）。
引发行动（inciting action）揭开故事的序幕，情节变承（complication）则使人保持注意力。
4、坚持趣味阅读，了解故事大局。第一遍阅读应当是纯粹的趣味阅读。这时每个故事元素对你而言才是崭新的。你往往会对故事产生情感上的共鸣，留心这些让你动情的地方，它们才是你执导剧集的关键，也是你做出各种执导选择的关键。
第一遍阅读后，你需要用一句话总结这个故事。编剧们称之为情节概要（logline）。
5、在拍摄时，你要时刻牢记剧集要讲的是什么，或者说核心主题（theme）是什么，这样才会让每一个场景都展现剧集的中心思想。
主题与情节不同，主题需要通过情节展现出来。
6、第一次读剧本时，注意了解故事的基本结构。
程式剧（procedural drama）都会遵循相同的程式，这条程式会构成整个剧集的主线。（举例《法律与秩序》即《Law & Order》）
7、导演是在创造一个故事，并要精心策划每一个细节，这样观众就能在看电视时与你读剧本时相同的感受。导演所要做的，就是将自己读剧本的第一感受如实传达给观众。
8、明确故事层次。明确故事主要情节或“主线故事”，随后分析是否还包含“支线故事”、“第二支线故事”或丛书情节。通常这些都与主角的个人生活相关，有时它们或呼应、或复制，或补充着“主线故事”。
9、“为场景命名”，就是说，给每一个场景都起一个简短的名称，以此来提醒自己每个场景是如何推动主要情节的。
名称可以提醒导演每个场景对整个剧集的重要性，而不仅仅是用来记录每个场景里角色之间发生了怎样的冲突。
10、传统的电视剧本应分为六幕（act），但是如今五幕剧的结构越来越流行。
（1990年左右，电视节目又常分为四幕，现在许多电影和戏剧都流行三幕）
所以每一幕必须是一个完整独立的单元。
第一幕一般介绍主题和主要角色（main characters）
主角（protagonist）和反角（antagonist）共同走过的旅程即剧本中的冲突（conflict）；主角和反角的目标是相反的，他们之间的冲突越强，故事性也就越强。
11、高潮：讲好故事的关键。
（第二幕到第五幕的内容大致差不多，某人对另一个人做了某事，将剧情推进高潮）
作为导演，你应当保证剧情的逻辑性，保证每件事都做得有意义。你要保证每个场景都出现新的信息（new information），而且这些新信息会合情合理地引入下一个场景。——这阶段需要与编剧和创作人（监制）召开主题会议。
连贯性（continuity）对剧情的一贯性和逻辑性都有要求。注意每一个开始部分如何运用信息来推动情节的发展；每一幕结尾时如何设置扣人心弦的故事情节（cliffhanger）。
剧集推向高潮，则需要合情合理，提前设计好伏笔（foreshadowing）或故意留下的线索。
12、结局：完成未了结的部分。
潜台词是场景中真正的行动，它不一定表露在情节和对话里，而是人物内心情感和相互关系的表现。
好的编剧能创造出情节与潜台词之间的反差，从而给场景增加新的维度。
如果一个角色的对话太过明显地表露了场景的潜台词，则需要考虑调整。
【准备】-【按人物分解剧本】
13、着手分析一个人物，应该从做人物评价表开始。
主要包含以下三个问题：
1）人物（Character）怎么评价自己？
2）别人（Others）如何评价着人物？
3）作者（Writer）如何评价这个人物？
填写好COW表的基本信息后，你就可以开始分析数据了。
14、想象人物形象，可以为每个人物做一个构思板，在杂志或者其他地方，看到有助于阐明人物的特点的图片和词语就剪下来，讨论时可以用做参考。
需求用一个词表达是意图。每个场景里可以把冲突分为1-10个等级。
15、探究人物障碍，除了反面人物的障碍，任何一个人物在获得自己想要的东西时，所遇到的其他任何障碍都需要留意。
16、为了把故事讲到最好，导演需要对场景进行优先程度排序。
【准备】-【选角】
17、选角指导的责任是在制作人的监督下进行谈判。选角指导要用自己的创意和判断力筛选参加剧本角色试镜的演员。准备工作开始时候，选角指导要开一个关于选角设想的会议。
18、选角需要权衡两点：演员的才能和他们的麻烦程度。麻烦程度一定不能高于才能。
【准备】-【美工设计】
19、对于大多数影片来说，与美工设计有关的部分有：艺术、道具、服装、化妆/造型和交通。
依据剧本的不同，还可能包括其他一些部分：视觉效果、特技效果、舞蹈编排、特技动作。
到了影片制作阶段，摄影、电动、场务就成了一线工作部门。
20、美工设计三要素：风格、色彩、效果。
21、据《标记与符号》一书记录，颜色与其对应的属性如下所示：
红色：火、战争、爱、热情、血；
橘色：放弃、辉煌、忠诚；
黄色：太阳、背叛、回归；
绿色：自然、青春、肥沃、妒忌；
蓝色：神圣、天真、镇静、阶级差别；
紫色：皇权或者祭司权、财富；
粉色：女性、男同性恋的自我展示；
黑色：邪恶、悲痛、老年、死亡；
白色：投降、无辜、怯懦、纯洁。
22、布景上需要平衡创意需求和经费需求——艺术还是商业选择。
23、第一助理导演，帮助导演处理后勤工作，是制作部门和导演沟通的渠道，要确保各部门主管提前准备好导演需要的东西。
24、推荐软件：movie magic scheduling。（第一助理导演/制片用）
25、每天的理想拍摄时长是12小时或者少于12小时（出去午餐时间）。
26、制作故事板时，需要考虑以下因素：
1）演员的时间安排
2）内景或外景场地的可用性（含特制布景）
3）演员的轮休
4）剧组转移（包含时间、金钱）
5）工作量的大小（遵守预算和日常，完成预定的拍摄工作）
6）通告表时间安排-白天还是晚上（计算拍摄时间比预计的要长）
7）直觉（反应拍摄一个场景所付出的努力和呈现的效果）
27、演员工作表明确了每个演员的工作时间。一助或许还会制作一个特殊需求表，列出每天所需的特殊设备或者人员。
【准备】-【演员走位和制作分镜头剧本】
28、导演在每个场景开拍之前确定好以下两个方面：
1）演员怎样移动——走位；
2）摄影机/摄像机怎样移动——制作一份分镜头剧本或者故事版。
29、为了达到最好的效果，导演需要给笑点定格（frame the joke）：不要让演员在说十分重要的笑点台词的同时走动或移动。
30、每类镜头的名称
1）定场镜头：交代环境的广角镜头。
2）祝镜头：通常会是第一个镜头；所有演员都在视景框内。它是拍摄后续镜头的模板，因为在主镜头后面的每一个镜头里，所有演员都会重复他们的动作。
3）迷你主镜头：同一场戏中出现的一部分演员的集体镜头，拍摄角度与主镜头一样；迷你主镜头的反打镜头要从片场的相反位置拍摄。
4）50/50镜头：两个演员在镜头里面对面；镜头可以拍到他们的全身镜头，或是只拍到他们的半身镜头。
5）双人特写镜头：视景框里同时有两个演员。
6）过肩镜头：摄影机/摄像机从演员肩膀越过去拍另一个演员，当摄影机/摄像机指向反方向时，就是反打镜头的角度。
7）人物特写：对演员的近距离拍摄，视景框内没有别的人物，因此也称为单人镜头；视景框大小可以调整，从牛仔镜头（视景框底部于枪托平齐）、半身镜头、两点镜头（视景框的底边于演员的胸前两点平齐）到特写镜头（视景框的下端在脖子的位置），乃至大特写（视景框里只能看到演员脸庞的一部分），人物特写还可以被称作单人镜头。
如果摄影机/摄像机通过横摇镜头，从一个人物的特写拍到下个人物特写，我们称之为移。
8）插入镜头：为了表现一个故事点，而用非常近的镜头去刻画某件物品，或某个动作。
如果你用完整插入镜头来变现这个物品，也就是把这个物品再拍到另一个镜头里，我们把这叫作附加镜头。
9）此外还有高角度广角镜头、升降镜头（在吊臂上的摄影机/摄像机，可以上下左右移动，移动起来更加方便流畅，通常需要比摄影机推轨车还要高的角度）等。
【准备】-【演员走位和制作分镜头剧本】
31、分镜头剧本是按照你所计划的拍摄顺序写的，而不是剪辑顺序。但在检查时，你在对白或指示旁标记的镜头编号，则指的是剪辑顺序。
32、镜头也会给人两种不同印象：客观性或主观性。
客观性是指摄影机如同一个无形的、不参与故事事件的旁观者，只是在记录画面而已。
主观性是希望观众有身临其境的感觉。影片中人物的视角拍摄出来的镜头，主观性最强。
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