“艺术电影”这个词汇的最早源于观众和放映商，上世纪 20年代在欧美各国开始出现了有别于商业电影院的、专门放映所谓高雅艺术电影的“艺术电影院”，到了上世纪40年代后期，这类艺术电影院大部分并入了电影院线系统，但仍有一部分顽强地生存下来，所以，人们简单的将在艺术电影院放映的电影叫做“艺术电影”。
美国学者大卫，波德维尔认为，艺术电影是以注重人物性格刻画、淡化的因果逻辑关系和对写实和逼真性的强调作为特征的。而对观众来说， 艺术电影的主要标志就是它的“不确定性”。斯蒂夫·尼尔认为艺术电影的目的有两个：反击美国电影对欧洲地区电影市场的统治地位和支持欧洲地区的电影产业和电影文化。为达到这些目的，艺术电影采取了摈弃好莱坞、依附高雅艺术和精英文化的态度。艺术电影的市场战略是满足相对较少的文化精英观众。
国际电影界普遍公认，艺术电影以战后的意大利新现实主义的出现和戛纳电影节、威尼斯电影节的建立为起点的。而1946年首届戛纳电影节的获奖者，正是新现实主义电影的开山之作《罗马，不设防的城市》。随着新现实主义电影在全球，特别是在美国的成功，上世纪50年代以后，一个稳固的国际艺术电影圈开始建立，瑞典的伯格曼、日本的黑泽明、印度的雷伊、西班牙的布努埃尔、法国的戈达尔和雷奈、意大利的费里尼和安东尼奥尼等导演的艺术电影在欧美获得了空前的成功。
众所周知，自一次大战之后，好莱坞电影就成为全世界最流行、最受欢迎的电影。但二战后的满目疮痍给欧洲人带来了深刻的震撼和反思，很多观众，包括美国观众开始对好莱坞的“乐观主义”产生怀疑，转而寻求新的替代品。1958年到1963年五年问是美国电影的黑暗时期，同时也是外国艺术电影的辉煌时期。
上世纪60年代以后，艺术电影继续沿着三个方向发展：首先是艺术电影从60年代到70年代中继续开花结果，除费里尼、阿伦雷乃、戈达尔和伯格曼等成就斐然的大师继续拍佳作外，以塔尔科夫斯基、大岛渚和贝托鲁奇为代表的大批来自欧洲、亚洲、拉美和非洲的艺术电影导演也开登台亮相。与此同时，伦敦电影节和纽约电影节也相继设立，成为展映和推广艺术电影的一个高潮。其次是美国本土艺术电影的兴起，60年代后期几部最重要的影片都是具有个性表达的低成本电影，主要包括《邦尼与克莱德》、《毕业生 》、《逍遥骑士》和《午夜牛郎》等作品，部分影片甚至是特意计划制作成欧洲风格的影片。最后是欧美合作的艺术电影，它们综合了旷欧洲和美国的电影制作手法，其主要特征为欧洲导演、美国资金、英语对白和国际明星组合，主要包括戈达尔的《蔑视》、安东尼奥尼的《放大》、帕索里尼的《坎特伯雷的故事》、文德斯的《德克萨斯州的巴黎》和贝托鲁奇的《末代皇帝》等作品，都是这类欧美艺术电影的典型代表。
总之，商业电影和艺术电影的最大的区别是，相对于标准化制作的好莱坞电影，欧洲的艺术电影更加欣赏与众不同。一位美国批评家评论说：“艺术不是由集体制造出来的。艺术来自于个人，他拥有的某些事情必须表达，而且会找到他最有力或最喜欢的方法来表达它们。确切地说，这就是人们对欧洲电影的价值的定位，也是我们经常听到外国电影比我们的电影‘更艺术化’的原因。因为在它们当中具有个性表达的迫切性、眼光的独特性和对现实读解的多义性。”
有趣的是，作为好莱坞对立面出现的艺术电影却与好莱坞有着千丝万缕的联系，因为好莱坞虽然缺乏创意，但是却不乏“借鉴”的勇气和实力。好莱坞不但直接邀声名显赫的艺术电影导演到美国拍片，而且六七十年代的“新好莱坞”电影还大量吸收了艺术电影的风格，发展出后来蔚为大观的美国艺术电影。
