前两天，一条新闻把燃了整个夏天的《哪吒之魔童降世》又送上热搜——

哪吒涉嫌侵权被起诉

这场侵权风波，始于3个月前。

当时《哪吒》还在热映，《五维记忆》的主创在微博声讨它涉嫌抄袭。

内容、细节，甚至海报

都与《五维记忆》的脚本、故事惊人一致

还没等《哪吒》团队发声，《五维》所谓被抄袭的“海报设计、阴阳概念、故事情节”，就被网友一条条怼了回去。

虽不能说是铁证，但基本落得个打脸实锤。

本以为风波告一段落，没想到《五维》的发行方中影华腾却走上了法律程序。

他们认为《哪吒》与《五维》在人物形象设计、故事情节和制作元素有大量相似之处，侵犯了他们的著作权，并要求《哪吒》方赔偿经济损失5000万元，并承担合理费用100万元。

至于侵权是否成立，咱就等法院的裁定吧。

但至少舆论看来，《五维》没能获得声援。

都说它“不像是维权，更像是碰瓷”。

网友尊重版权，但大家也不是傻子。

前一阵《锦绣未央》被判抄袭成立，全网拍手称快。为啥到了《五维记忆》这里，风向就全变了，心里没点数吗？

国产动画好不容易迈出了一大步，48亿的票房，蛋糕够大，谁都想分一口。

但有资格分的，只能是为它付出过的人。

今天就来聊聊，关于电影，那些台前幕后——

明面的成绩，看得到。

像《哪吒》，你或许知道，它拿下中国影史第二的票房，并代表中国大陆冲击奥斯卡。

但你未必晓得，这部电影的背后，是1600位电影人的力量。

都说人多力量大，但这电影，却比吒儿还要难产。

从创作到上映，花了5年时间。

剧本，磕了3年，改了66稿。

制作，耗了2年，动用20多家特效团队。

从头到尾，将这一切组织起来的，是导演饺子。

他本是医学生，大三时经同学介绍，入坑动画。

毕业后靠着自学，花了3年8个月，做出了短片《打，打个大西瓜》。

荣誉和关注，纷至沓来。

受到了鼓励的饺子，坚定了转行的决心。

他成立工作室，做了一些动画作品，也开始谈项目、拉投资。

但6年过去，一直没有做电影的机会。

因为实力有限吗？

不，因为没钱赚。

行业不景气，没人敢投资。

坐了6年冷板凳，他才等到志同道合的彩条屋。

大家没别的念头，就是要憋着一口气，做出一部能为国漫“正名”的电影。

“不认命”，不仅是哪吒的呐喊，更是所有动画工作者的信条。

有多能磕？

全片一共有1800多个镜头，特效镜头就占了1400多个。

没有一家特效公司，能包揽如此繁重的工作。

只好外包给20多家特效团队——

根据各自的优势，分别承担“风、火、雷、电、水、冰烟”等特效类型。

哪吒，完全是吃百家饭长大。

而且，这饭，还“不好喂”。

碰上饺子这种比魔鬼甲方，一秒的镜头，他也能“挑三拣四”。

推翻重做，更是家常便饭。

申公豹现出原形那个镜头，特效师被打回重做无数次，仍无法达到导演的要求，大哭后愤而辞职。

饺子他们只好找新的外包公司，谁知这任务又被分配给那位小哥，换了公司，还是冤有头，豹有主。

导演还很“魔鬼”地说——

还想再磨，但怕公司撑不住了……

一个镜头，就能让人抓狂到跳槽。

一部电影，就能拖垮一个公司。

这行的压力和脆弱，可想而知。

中国的动画行业，到现在发展得并不成熟。

这1600多人能撑下来，靠的绝不是一点小小的热爱。 

而是拯救国漫的理想，和死磕到底的冲劲。

没有他们的孤注一掷，哪来我们的热血沸腾。

这个行业不是靠工资可以活得下来

可以留得下来人

《五维记忆》的主创曾说，阴阳这个概念，是他们先发声的。

发声这个词，对于电影就很奇怪。

作为一种概念，它是以设定存在于电影，又不是以目的存在，何来发声？

而“阴阳”本身，更非当代人自创的概念。

不然，怎么不去告张艺谋导演的《影》？

张艺谋的电影，在视觉美学方面一向极具特点。

而把他的美学概念表达于镜上的，是他的御用摄影赵小丁。

两人在近20年的合作生涯中，创造了多部视觉大片，赵小丁还凭借《十面埋伏》斩获奥斯卡最佳摄影。

摄影师出身的张导，对电影的镜头语言极为看重。

镜头造型的味道

就决定了整个电影

他的作品，一向色彩先行。无论是开启大陆商业大片先河的《英雄》，以及后继者《十面埋伏》《满城尽带黄金甲》，无一不是是热烈奔放、浓墨重彩的视觉呈现。

但去年的《影》，却全然换了一种风格。

抛弃了色彩，只留下黑白。

黑白，本身就有阴阳的意味。

但这里的“黑白”，并非简单的黑白电影。

而是在布景、服化道上采用大量的黑白灰元素，并将皮肤、唇色的饱和度，调至与背景平衡的色调。

以此营造出泼墨山水的中国风氛围。

把那些色彩呈现上比较艳丽的部分

在源头上把它淡化

看能不能营造出一种国画式的风格

这种水墨风格，不爱极致的黑，也不爱绝对的白。偏向的，是中间晕染的灰。

那黑白交汇的层次变化，像极了人性。

而《影》，讲的就是人性的复杂。

子虞腹黑狡诈，表面为国出战，实则利用影子境州，妄图谋权夺利，最终被境州反杀。

境州原本心思单纯，只想做简单的棋子，却在权力和欲望的挣扎中，慢慢变成了下一个子虞。

两人在太极八卦阵的比武，一招一式，你来我往，不正是善恶相融又难解的注脚。

而人性的灰色，和下雨天又是格外的契合。

《影》的所有室外场景，都发生在下雨天。

不仅与水墨的氤氲氛围互相辉映，那湿透的衣衫，溅起的水花，锋利而冰冷的武器，更让人不寒而栗。

说到下雨天，就不得不提娄烨。

在他的电影里，很少有放晴的时刻。

不论是《浮城谜事》还是《推拿》。

雨天，都是不能忽略的故事背景。

今年的《风中有朵雨做的云》，更是直接把“雨”放在了片名之中。

娄烨一直想拍一部以改革开放为背景的电影，有了故事雏形后，他想到了摄影师张志友镜头下的广州冼村。

冼村是位于广州CBD的城中村，和周围鳞次栉比的高楼大厦，非常格格不入。

但这种反差，恰好呼应了时代浪潮下的阶级、贫富差距，滋生了最适合故事发生的土壤。

娄烨想讲的故事，不是凭空构想，而是真的有迹可循——

他在官商勾结的框架内，又加入权色交易、多角恋情、杀人埋尸的情节，处处都是敏感话题。

也因此几度遭遇拍摄中断、放映拖延和映前删改。

在话题背后，他更希望观众看到，在市场经济、改革开放30年的洪流下，曾经清澈干净的理想青年，如何被物欲和权利裹挟，跳下悬崖。

所以，他想要记录“我们和我们的时代”。

为了完整地呈现纪录片式的质感，美术指导就显得非常重要。

什么是美术指导？

简单来说，就是统筹电影的布景、道具、服装等相关工作。

纪录片式的美术设计，应该是不留痕迹，让观众难以察觉的。

该片的美术指导钟诚，就完整地实现了电影对于空间和时间的叙述要求。

空间的写实，在于直接在冼村取景。

确定了拍摄地点后，娄烨带着团队实地走访，一边采访当地村民，一边进行堪景规划。

影片开头，从珠江新城的航拍，慢慢将镜头转至冼村。

巨大的视觉反差，开篇便将故事蒙上一层魔幻现实的气息。

而村民们抵抗拆迁的场景，也几乎如实还原了当年的情形。

这个不过几分钟的镜头，从排练到拍摄，花了近半个月的时间。

庞大的推土机，堆积的碎石，随处可见的废墟。

顽强的钉子楼，晦暗的小巷，联合反抗的村民。

在晃动的手持镜头下，把压破的冲突感烘托得非常到位。

而时间的写实，则表现在30年的场景和造型变化。

娄烨说，这部电影的造型，涉及大量的流行史和地域美学。

换句话来说，就是将图片的内容，“搬演”到电影之中——

时间回到1989年，林慧和姜紫成，在舞厅里摇曳放纵。

男生戴着大墨镜，女生穿着宽大、蝙蝠袖的衬衫，头顶上方的大彩球，跳着进进退退的步子。

不就是那个年代时髦躁动的青年男女最爱的场合。

1992年，林慧和唐奕杰结婚。

拍婚纱照的艳芳照相馆，也确有其地，直到今天还在营业。

除了布景还原历史，演员的妆发也非常写实。

拒绝精致，直接呈现演员的素颜状态，连光都不打。

所以你看到宋佳为生计奔波，疲惫的神色下，是怎么都掩盖不住的眼袋和法令纹。

井柏然一边查案一边逃命，巨大的压力下，皮肤的瑕疵一览无余。

这是角色内心活动的外化写照，它虽不及完美，但却足够真实。

好的电影，总是让人越看越明白。

而这一过程的发生，既得益于导演的把控，演员的诠释，更离不开那些为之默默耕耘的幕后英雄们。

编剧、摄影师、美术指导、剪辑、动作指导……哪一个都不可或缺。

就像张艺谋导演说的，每一位幕后电影人的努力、辛苦，都值得被看见。

台前幕后，皆英雄。