昨天上了一学期的《钢琴教学法》结课了，这是第二次去中央音乐学院听这门课，相比第一次，这次对于一些不明白的点更深刻，对曲子的处理有了更高的认识。
钢琴教学多是手把手的师承传授，所以学生从老师学到的东西也会再传给他的学生。在钢琴教学里，有很多的方法、流派，不能说哪个不对，但是在钢琴的发展历程里，教学法也是跟着变化的，所以现代钢琴教学已经和原来的产生了很大的差异，但是在钢琴的教学中用一些古老的教学方法的还大有人在。比如说弹琴的时候不允许手腕动，在手上放一枚硬币不让掉下来等等。
先说说这门课对我认识颠覆最大的一个就是：手型
这是所有入门学习者要接触的，也是开始老师强调最多的。很多时候看学生弹的好不好，先看手型好不好，手型摆不好的，那弹得也好不了。说到学生的问题也往往从手型开始。以前我教学也强调手型，要求是:手放到琴上，手指自然打开，里面能握住鸡蛋；或者手攥紧后慢慢松开，手成一个半圆状态。
弹奏的时候，要求保持好手型，有两种比较普遍的弹奏要求；
第一种：手型摆好后，用哪个手指，哪个高抬，其它手指全部在琴键上不动。
第二种：手先摆后，1指弹奏时直接下键弹奏；后面的手指，2、3、4、5手指弹奏时，要一起抬起，一起下落，将力量放到要弹的手指上，其他手指要保持好手型放到琴键上。
现在对手型认识是：双手自然下垂，手自然会形成一个弧度，将其轻轻拿到琴上，手型就ok了。
弹奏的时候手型要求：手指全部打开，距离琴有一段距离，弹奏哪个音，需要的个手指就下键，其他手指依然全部在上面，成打开状态。
在我学琴的时候，手指是不允许翘起来的，不管用什么办法，弹完的手必须都在琴上保持好手型。因为那时候4、5指总是翘着，还被老师打过手。后面的手型，弹奏时手指都是在上面张开的，按照以往的要求，这肯定不对。
然而现在科学的教法，就是第二种，不需要弹奏的手指都是在上面张着。原因有2：
一是第二种速度更快，因为中间少了抬手指的动作。比如说弹三个音，用第二种方法，就三个手指直接下键的动作即可完成，第一种方法就需要五个动作才能完成。
二是钢琴是听觉艺术，出什么样的声音比摆成什么样的手型更重要。就像以往教课更多是盯着学生看，看手型，看谱子，看动作。但真正应该用耳朵去听，而不是眼睛，听他弹出什么样的音色才是重点。当弹的声音不对，音色不合适，再好的手型也没用。
老师举了一个例子：“比赛的时候，台下的评委没人看演奏者的手型，也看不到，就是听声音，只要出的声音好，管你用什么手型！”
可见，手型并不是弹奏时最重要的，手型也会根据曲子的音来变化。
需要强调一点，手型虽然没有我们想象中那么重要，但不代表开始学的时候就放任自流，一定的规矩还是要有的。开始手是张开的，但是随着学习的难度加深，速度加快，手会放的越来越低，越到高级别，贴键的弹奏法会更多。
“弹” 的新理解
钢琴需要手指弹，但是就这个“弹”琴，好多音或者说音型，真的不是以前所理解的“弹”出来的。比如莫扎特曲子中左手有特别多的（1535）的音型，在很多练习曲中也很常见，音很简单弹出来挺容易，但是弹好听不容易，关键就在第一个音上，我之前所理解的要手指“弹”下去，第一个音会出重音效果，而且弹快了，并不好听，声音太硬；弹轻了，效果也不好。而现在我知道这个音不是靠“弹”，下去的，而是运用手臂的力量碰一下键“弹”下去的，这种“弹”法，速度快了会形成节奏的律动，这是用手指敲下去发不出来的声音和感觉，都是“弹”，但是动作完全不一样，出来的声音也截然不同。用手臂的力量“弹”下去的，在快速的时候，声音更流畅，会有主心骨，有层次。
很多作品里的音或者某些音，需要的弹法，并不是用手指弹出来的，更多的时候是用手腕和手臂，甚至用身体的力量弹出来的。
节奏的律动
以前教或者弹都对律动没有什么概念和想法，直到课上，对同一首曲子，老师弹出来和我们弹出来天壤之别的音色和感觉，让我很触动，怎么我就弹不出这样的音色和感觉呢？这就是节奏的律动。一首再简单的曲子都有它内在的律动，但是这被我们忽视了，认为简单所以就没有重视。
乐句的走向，句子之间的连接，都不是孤立存在的，它们有着必然的联系，这就需要我们在弹的时候，将音与音之间的触键、强弱等考虑清晰，而不是孤立存在的音。
对手腕、手臂的运用更多
上面的例子中，在“弹”中已经引出了对手腕，手臂的运用了。弹琴是一个复杂的身体协调配合动作，要发出好的声音，需要整体的合做。
现代钢琴可以说是在用手腕、手臂在弹琴，而不是仅仅以前理解的手指头上。手指上的力量毕竟有限。钢琴的力度比以前要重很多，尤其是九尺三角钢琴，比立式钢琴弹奏起来更重、更难。所以仅仅依靠手指不能满足音乐的表现力，更多需要用到手腕来转移力量，运用手臂来传递身体的力量使发出更饱满、更有力的声音。
对“p”的认识
"p"在钢琴中是piano的简写，翻译过来是钢琴。在音乐里的表情术语中“p”是一个常用的记号，译过来是“轻”，意在演奏的时候要控制音量，不可以弹的太响。
以前我的教学中，看到“p”就会要求学生弹轻一些，要和“f”强做出区别、对比。发现学生往往做不到我的要求，要么是轻不下来，要么是轻下来声音都是虚的。现在明白了，当时的我要求初级的学生来做到一个非常高级的动作，在他们还没有掌握这个技能的时候，除非天资过人的学生，否则，一般学生都做不到。
“p”在演奏中是很难的，对手上的要求非常高。手里要吃住劲儿，不能松，还要控制下键的力度、速度等，所以弹完手会累，而不是之前所理解的仅仅是下键轻一些就行。同时也因为教课的环境局限性，对曲子最终放在什么样的环境中没有想过，以至于会要求学生按照现有的空间标准来弹奏，对“p”的音量要求要更轻。音量如何要求，又是一个让我印象深刻的变化。
音量如何要求
一般琴行里的钢琴教室都非常小，即便家里授课，也受到房间的制约。我们往往会按照现有空间的大小来要求学生弹奏时音量如何处理。学生弹奏出的音量也就适合一个小房间听。而钢琴演奏或比赛最终是要在舞台上，在音乐厅。
所以，一开始我们就应该按照音乐厅或者大房间的音量来要求学生，只有这样要求了，在之后的比赛、考级甚至表演中，才可能弹奏出的声音让每个角落都听到。尤其现在比赛基本都是三角钢琴，需要更多力量才能弹出声音来。对比之前的教学，弹奏整体音量要更大，更饱满。而弹奏“p”时，也不能仅要求轻，需要比之前更多的力量来弹到低，即使是轻也要饱满、通透的声音。
今天想到这么多，学无止境，不学不知道自己就是那井底的青蛙。教书育人，学生最怕遇到不负责任的老师，老师最怕停止对自己的成长，革命仍在路上，任重道远！
