其实演技这种东西是可以客观评判的。

演员的表现就像列出了公式和所有自变量，要让观众自己得出最后的结论。

演员何冰讲过，坏人怎么演？是贼眉鼠眼，鼠目寸光的迷瞪这眼这么演吗？不对，这是结果不是过程，演员的表演是要表演出过程让观众自己最后得出结论：哦，这是个坏人。而不是上来就自己给自己画脸谱忠奸写在脸上，不对，表演是要糅合在人物的行为动作语气台词中，让观众感受到角色的情感自己下判断而不是帮观众下判断，否则表演就低级了。因此评判一个演员表演的好不好就看演员公式和自变量给的到不到位，行为动作语气台词情感都到位了，观众能够顺利受到感染推导到演员当初预设的结论，那么表演就到位了。

演员对于角色的理解，对于角色的表演是需要摸到一个点的，这个点是支撑点也是演员由此延伸角色的起点，这个点就是角色的精髓。演员演的好不好，到不到位就看能不能找到找准这个点。

如果能够让观众忘了你本人不出戏你就及格了，如果还能让角色鲜活让人印象深刻就足以算得上优秀。而最高的水准则是还能引导观众情绪推动剧情发展催化情节走向，甚至还能将全剧拔高一个层次，就像好的作家能把一件稀松平常的事情写的引人入胜如诗如画。

如果你看一部剧的一个演员的表演的时候能够发出xx（演员的名字）演技真好的感叹，说明这个演员的演技并不到家。

一个真正好的演员能够藏演技于无形，完全融入在角色和情节氛围当中，你还能此刻叫出演员名字说明演员还并没有完全脱去自身的一些特质没有完全完美的伪装成角色本身，你看着看着都出戏了你都不知道?在有的剧中演员还会存在那些疑神疑鬼的眼神，那些面部肌肉牵动的特写，那些刻意的疑神疑鬼的动作，这些刻意为之的套路化的东西。这些技巧本没有错，只是这些技巧是为了顺应情节，推动情节并且符合人物当下的心理活动的手段之一罢了。

你看张国荣的戏，你会发出“啊，哥哥演技真好”的感叹吗？你看梁家辉的戏的时候你会想到梁家辉本人吗？不会的。（华语圈我最佩服的两个好演员，一个是哥哥张国荣，另一个就是梁家辉）

演员的演技是要为剧本和情节的发展服务的，是要符合人物的性格特质的。

一个少年你就不能故作深沉，一个少女你也不能泼辣世故。演员的演技就是要符合人物特质，人物不会有的气质和神态就绝对不会有，人物的心境和性格以及应对外界环境的反应等等都是要伪装的完美无缺。目的只有一个，骗过观众的眼睛，带动观众的情绪进入到剧本的故事和情节当中来。

因此好演员在表演的完全不同的两个角色时所做的相同情绪的表情都是完全不一样的。这些都是要在很多的细节方面来展现，演员在表演中所要表现的情绪是要符合角色特质的。（参考梁朝伟在《一代宗师》和《摆渡人》里面的反差）

所以演员不仅要在外表和服饰等等外在上面化妆，同时也要对自己的心理和思想上面化妆，伪装的和角色一模一样，角色会怎么想，角色在面对一件事情的时候会怎么做。

梁家辉的演技简直是出神入化，为什么？演谁像谁，为什么？

为什么《霸王别姬》里面张国荣演的那么好？因为他就是虞姬，他就是那个如怨如慕如泣如诉的女娇娥。要想骗过观众，演员首先要骗过自己。

优秀的演员分两种，代表人物分别是梁家辉和哥哥张国荣

梁家辉是典型的学院演技派，能凭借高超深厚的演技表达诠释角色，一般演员极难做到这一点，这需要大量的生活阅历，敏锐的洞察力和对角色透彻的领悟延伸能力。在他这里连他的颜值都可以为角色的需要而改变真的是无愧于千面影帝的称号。梁家辉就是那种能做到即使是烂角色也能主动补全完善角色的好演员，资质和后天的努力缺一不可。

哥哥是属于典型的野路子，原本是歌手半路出家当了演员，他很明显的特点就是他不是在演，他把自己和角色融为一体，演《霸王别姬》的时候工作人员说即使不在拍戏的间隙张国荣依然是程蝶衣的状态。入戏是每一个演员都需要做到的，一场戏拍完就自己从角色中抽出来了。但是像他这样完全融于角色好处就不需要那些演技上的技巧，破绽自然极少还非常有感染力。但是这种表演对演员身心要求极高，入戏太深则非常磨演员的心智。

二者的区别就是技巧与情感，而这两点是每一个演员都需要的。

表演当然还是技巧性的东西，但是仍然需要情感。

其实演员在表演的时候都是技巧与情感的结合，而情感必须是需要环境和对手演员给到才能达到合理的情感，戏才显得真诚自然才能带动观众入戏。电视剧《白鹿原》中鹿子霖的表演者何冰在《圆桌派》里提到过：好的演员是杜绝情绪，行话讲就是表演情绪(表演情绪不是褒义词，表演情绪就是走入了误区）。演员要有掌控力，不可以激动，需要高超的掌控力,演的不是情绪，是行为，是动作。（这种表演方式其实属于表演流派中的表现派）

以下引用别人的解释来重点说明一下什么是表演情绪，总的来说就是演员表演出来的情绪必须是情节推动和对手演员的表演给到的时候自然而然表现出来的情绪而不是自己从生活中情绪或者是用刻意拧巴自己得出来的情绪代入到戏中，这样会使得整场表演反而显得突兀，观众奇怪，好端端的这人怎么就哭了呢，这演员在这干瞪眼是几个意思？因为表演情绪实则是抛弃了观众没能带动观众而在自嗨。

表演情绪，是指演员在舞台上没有经过与对手的交流和体验而直接将生活中情绪的外在表象呈现出来的表演状态。这是非专业演员和学生在表演学习中最易走入的误区，因为这种表演方式似乎不容易被观众指出问题所在。斯坦尼斯拉夫斯基指出：“我们首先注意的不应该是情绪的外部表现，而是情绪产生的内在逻辑，情绪的真正本质及其自然发展规律”。

演员在舞台上的情绪是通过以下表情体现：第一，面部表情。由面部肌肉和腺体变化来表现情绪，由眉、眼、鼻、嘴的不同组合构成，包括七种基本表情：快乐、惊讶、生气、厌恶、害怕、悲伤、轻视。最易辨认的表情是快乐、痛苦，较难辨认的是恐惧、悲哀，最难辨认的是怀疑、怜悯。惯于“表演情绪”的演员对这七种基本表情掌握得比较好，他们可以在这几种表情之间自由转换，也熟悉这几种情绪的表情体现。但是他们忽略了人类情绪情感的复杂性，很多时候并不是简单的快乐、单一的害怕等，所以这样塑造出来的人物是刻板的、不完整的。第二，身段表情。即用人的身体姿态、动作变化来表达情绪。在生活中人所遇到的情境都是真实的，而人也是其本人；但在舞台上，一切都是假定的，人也非自己，如果只是机械地运用演员给这个人物所设计的身段表情，就会走入“表演情绪”的误区，表演的实质在于表演“行动”而不是“情绪”。第三，语调表情。即通过声调、节奏变化来表达情绪，它也是一种语言现象。我们学习处理台词的时候都知道，语调是传达人物内心的重要手段，同样的话、不同的语调表达的意思可以是截然不同的，而相同的语调也可能表达不同的意思，也许这种区别是微妙的，但它却是必需的。只有这样，句与句之间的语调才可能谐和，语意才丰满。

情绪与情感有着紧密的联系，但二者之间又存在着差异：从需要的角度看，情绪更多的是与人的物质或生理需要相联系的态度体验，情感更多的是与人的精神或社会需要相联系；从发生早晚的角度看，从发展的角度看，情绪发生早、情感产生晚。人出生时会有情绪反应，但没有情感。情绪是人与动物所共有的，而情感是人所特有的，是随着人的年龄增长而逐渐发展起来的；从表现的特点看，情绪具有情境性、激动性、暂时性、浅表性、外显性，如遇到危险时会极度恐惧，但危险过后恐惧会消失。而情感则具有稳定性、持久性、深刻性、内隐性，如民族自尊心、父母对子女的爱等。

但是，演员要表演的内容是有社会性的，要创造的角色也是有社会性的，这些角色一般来说是带有某种“情感”的，所以在很多表演理论的文献中都把二者联系在一起，统称为“情绪情感”。情绪情感与行动的关系是：行动（意志行动），也叫动作，是由意志产生的，有一定目的的，属于人类行为的活动。行动的目的永远是想要改变动作的对象。按照自然规律的法则，任何行动在开始前都必须有足够的要这样行动的愿望，比如我想让你留下来陪我，于是我挽留你；我想说服某人，于是我才去说服。因此演员不可硬向自己要求情感，拼命地外逼感情，也无需努力地“表演”这种情感、模仿这些情感的外在表达形式。正确的方法只有一个：准确地决定自己的态度，用自己的想象来给自己所采取的态度找到依据，并且用这种方式唤起行动的愿望（内心行动的要求），进而行动起来。切勿等待情感，因为在行动过程中，情感会以最需要的表现形式自动出现，这样的表演演员自己相信了，对手相信了，观众也就相信了。

其实由表演情绪这个词可以拓展出来正好可以讲讲戏剧中的三种表演流派：体验派，方法派和表现派，其中方法派属于体验派的分支，是美国式的体验派。

体验派：是俄罗斯斯坦尼斯拉夫斯基创立的表演体系，认为演员应当在表演过程中从自我出发，相信表演中的情景，并真实的展现出自己的情绪和感受。

方法派：更多的是体验派的一种延伸，但是在表演中的很多情绪存在替换，具有一定的欺骗色彩，把自己经历中或者生活中经历过的一些情绪通过回忆提取然后表现出来而不是陷进人物本身做出的情绪表现。

表现派：更注重对角色的充分理解和掌控之后对角色的设计，角色的表情动作以及行为等等都是经过充分的设计的。

表现派如果做的不好对角色没有深刻的理解就会存在像杨幂那样的的程式化表演，都是通过自己固有的一些表演方式去表演，就会显得很假，所以表现派对于演员的悟性，肢体和情绪的掌控力要求很高，需要有丰富的阅历，洞察力以及领悟能力才能掌控这种表演方式。

方法派和表现派的区别：

方法派的情绪虽然是替换的但是方法派的情绪依然是真的，但是表现派的情绪本身也是假的，是演员操纵自身肢体和面部肌肉做出的假象。

上面讲的杜绝表演情绪就是典型的表现派的表演方式。

总结一下:

方法派和体验派就是：这个故事和人物我自己先信了并且用自己真实的情感来表现（不论是否是替换过来的情感）然后想让观众也一起相信。

表现派则是：这个故事和人物我自己不信，但是我把所有的条件和氛围全部列就位后通过我做出的肢体和表情让观众相信。

三种流派本身没有优劣，很多演员也经常在演戏的过程中根据剧情的需要切换各种表演方式，目的就是带动观众，感染观众，目的达到了就是好的表演方式。

好的演员是能够带动你，感染你的。

王羲之就单单在《兰亭序》里面写一个之字就有21种不同的写法,这是王羲之要炫技吗？显然不是，这21个之字分散在兰亭序的各个角落里面，与前后的文字，语境浑然一体。

演员的表演也是一样，在恰好的情境中作出恰到好处的表演。好的表演是细致入微，润物细无声的。

好的演员就是能让你看不到他是在演戏，仿佛这就是他的人生。

一个好的演员同样的情感，在对应到不同的角色中就会有不同的表情和表现方法。这个点非常重要，这也是评判演员功底的地方，也是为什么很多小鲜肉演来演去都是在演自己的原因，因为他们表达情绪和情感的方式太单一了，他们表达情绪和情感的方式就是他们自己平时那一套的优化版本罢了，本质上并没有变。

这就是为什么很多的演员的戏路非常窄，造成接的角色非常定型，因为情感的表达太单一不够丰富老道。

可以说，演技跟剧本好坏都没有关系，烂剧本中角色的完成度是不够高的，在烂剧本中除非演员自身有水平高超的发挥，主动或者潜意识的调节人物完成度上面的某些缺陷，否则在烂剧本中你演得再好也不过就是一个并不出彩的角色，因为角色本身完成度不够高，角色不出彩很正常。

唯一有点关系的就是演技的深度是要看角色的深度的，一个没有深度的角色，演的最好也仅止于此，发挥的空间也并不大。这也是为什么好多的演员都非常希望演坏人，因为相较于脸谱化的伟光正的好人，坏人的内心的情感要丰富的多，人物也更立体，更有层次感，这样演员的发挥空间可就大得多了。这也是为什么祁同伟的扮演者演的要比陆毅强太多，角色的深度使然。

这里我还不得不提邓超在《烈日灼心》里面的一段表演，就是邓超演的那个角色在面临安乐死死刑的那段表演，真的是震撼人心，把一个人临死前的很多的内心活动都演出来了，从他抽搐扭曲的表情中能够最大程度的感染观众，那种绝望窒息的气息，我反正当时看的都懵逼了，全程是屏住呼吸看的，虽然最后被剪掉了，但是有兴趣的可以去搜一下，非常值得一看。

因此演员的表演就必须符合角色的性格，特质，说话的神态语气以及在情节中的各种表现是否符合当时的情境，甚至是可以感染观众，推进剧情。所以演员的演技就必须收放自如，因为要为剧本的发展和推动情节服务。

一部剧的好坏，是剧本，导演，摄像，演员和后期的合力的结果

同时演员的表演最终呈现还和最后的剪辑等后期有关系，因为后期把握了整部剧的节奏和剧情和整部戏的情绪的流动。只有有恰到好处的情绪的流动和节奏的把控加上恰到好处的表演才能把观众代入到戏里面去。演员你演的再好，剪辑把20集剪成了40多集，明显节奏就拖沓了很多了，这是很影响观感的。一个五分钟的情绪戏，你非要剪成十分钟，可不就让观众出戏了么，这事不能怪演员。

这也是为什么说电影是导演的艺术，获得第42届戛纳电影节金棕榈奖 的电影《性、谎言和录像带》是经过哈维·韦恩斯坦重新剪辑后的剪辑版本，和导演的原版比起来就完全不一样。这种情况我在看《天堂电影院》的时候也有相同的感受，获得奥斯卡的版本和后来的导演加长剪辑版给人带来的观感也有很大差异。

为什么泰坦尼克号拍的好？仅仅是演员演得好吗？就最后一幕来看，老年rose梦中的场景，镜头怎么推，音乐怎么起，这些氛围的营造也是非常影响观感的。

还有演技这种东西是多方合作的结果，演员拿到剧本首先要做的是和导演进行沟通，一个好的导演能够最大程度的发挥演员的潜质。会知道什么样的效果最好，心里完全是有谱的，这样导演会主动引导演员如何使劲。调教功底好的导演能够最大程度发挥演员自身最自然最符合角色的那一面，同时还会藏拙，能够掩盖演员自身不成熟，不自然的那一面。所以，为什么你看看同样是赵本山，同样是打酱油的角色，为什么在《一代宗师》里面要远远比在《三枪拍案惊奇》里面演的好的多？张艺谋调教演员方面远远不如王家卫。（《长城》我是全程出戏看完的，所有演员包括马特戴蒙，刘德华，张涵予，彭于晏我看着都出戏 = =）

同样演员也会受到和她演对手戏的演员的影响，有好的影响也会有坏的影响，一个出色的演员是会为了照顾剧情和整部剧的整体的观感而主动降低演技的，因为两个演员差距太大是会容易让观众出戏的，两个人差不多才是刚刚好。

而好的演员在一起，能够激发出很多想法和火花，对各自的角色的塑造绝对有非常大的帮助。

最后借用高晓松的一句话，好的演员就是会演戏（说的是金城武），好的演员能够知道机位在哪里，自己在镜头前面表演在最终呈现的效果上面会是什么样子的。什么时候放，什么时候收。能够应对自如。