除色彩三要素以外，还有其他的一些因素影响着色彩，比如:
冷暖
很多时候一幅成功的画作，冷暖会达到一定的和谐。暖色大多时候用在主要的画面内容，尤其是肖像画，因为暖色有「往前走」的效果（如红黄）。冷色大多时候用于背景或者非主体内容（如蓝绿）可以衬托主体内容，因为了冷色的特性是「往后走」。
这是一副十八世纪英国宫廷画家兼美院院长约书亚·雷诺兹的作品（如图）。这幅画中，可以看出上面所述规律的运用。
这是十八世纪法国洛可可风格的代表画家弗朗索瓦·布歇的作品。冷色做背景衬托，暖色描绘前景主要内容的运用在他的画中有更明显的体现。
这是十八世纪和雷诺兹齐名的英国大画家托马斯·庚斯博罗的代表作，可能是他最有名的一副画作——《蓝衣少年》
据说当时雷诺兹断言：「蓝色只能用于背景，而不能用在前景」。于是庚斯博罗用这幅画反驳了这一观点。
庚斯博罗这幅画虽然用蓝色做为「主体色」，但并不会影响空间感，人物的塑造依然很成功。当然了，冷暖的对比只是绘画很多因素中的一个。很多变量都可以塑造画面，如这幅画中蓝色较纯，背景的黄色比较灰，灰往后走，纯往前；背景很壮观，但整体偏暗，突出了人物衣服的高光，尤其是右手臂边缘的背景，提亮了一些，加强的这只手臂离我们最近的空间感。
当然，这个道理雷诺兹自然也懂。他说的规律大概只是给学生听。就像达芬奇手稿里写的很多规律他自己都不遵循。
透明度
水彩的颜色可以达到最透明的效果，油画则可以最厚重。透明和厚重是一个对比，一个变量。从这一变量的可控程度来说，水彩和油画差不多，粉彩最弱。因粉笔大多不透明；要厚重倒是可以像德加那样，涂一层后就喷一次定画液，让颜料可以不断叠加。
一般透明度越高，颜料越薄，越会「往后走」；反之，透明度越低，颜料越厚，越会「往前走」。所以通常画面主体物多用厚重颜色，而背景，暗处则多用透明轻薄颜色。
理论上来说，颜色的厚薄是可以控制的，要厚就多放；而每个颜色的透明度则是他自身就有的特性。实际运用上，要把透明的颜色变得不透明，添加其他不透明颜色即可，或者单纯多涂几次相同的颜色让其变厚失去透明度。想把不透明的颜色变透明可以稀释它，但是这必定也很大的影响其明度。
如果读者有机会近距离看古代大师的作品，会发现一些需要「往后」的暗处颜色往往比较薄，而亮处或者一些需要「往前」的部分则比较厚。实际上很多画家的方法也是这样：先画一个比较暗的底色，之后再塑造画面，一些处于阴影的部分，画家直接不画，留出底色当作阴影，这样就有了透明不透明、厚薄的对比。
这是委拉斯凯兹著名的杰作《教皇诺森十世像》局部。可以看到耳朵这边处于阴影的地方是底色，而帽子与皮肤衔接的部分有影子，他也是直接留出了底色做为影子。还有些露出的地方没有完全涂满可以窥见底色，如耳朵上方。
在十九世纪，英国的水彩画家们认为完全使用透明颜料才算的上是纯正的水彩。这个观念到今天还影响着很多水彩画家。确实，透明是水彩最特有的一个优势。不过在当代，一大批「走红」的水彩画家他们则对这一理论毫不理会。他们毫不忌讳的把水彩和水粉混合使用（实际上今天的水彩颜料里也有很多和水粉很接近的不透明颜色，尤其荷尔拜因牌的水彩）。这一实践减弱了水彩自身特色的同时也带来了一些优势：1，容易塑造。因为可以用不透明颜色覆盖，也就是更容易修改，也更容易深入。2，增加透明度对比。有了极透明的水彩，加上水粉的不透明，就产生了一个对比，一个可控制的变量。3，在湿画法中更容易控制颜色扩散的程度。
这幅是澳大利亚水彩画家约瑟夫的水彩作品。水光的表现真是水彩的一个强项。在这幅优美的画作中，我们可以感觉到水很「轻」，而建筑物比较「重」。我想这就是用透明颜色画水，用不透明颜色画建筑物带来的神奇效果。我的水彩老师Carles Pellejero很多时候甚至给水彩颜色加入水粉颜料来表现要突出的人物、以及建筑物之类感觉比较「重」的物体。
色彩的感情
坦诚的说，笔者在这方面目前没有太多研究，但它显然是存在的。
记得以前我看过一个实验：给一个快餐店的餐具都换成红色的，墙壁也涂成红色。结果客人用餐的速度大大的提升了。
红色代表激情、兴奋，是醒目的颜色。在自然界中是很多动物的警戒色，动物们用它来威慑敌人、保护自己。
即使我们从来没有考虑过不同颜色可能的效果，我们大概也不会想把自己休息的卧室涂成红色。
而用来宣传的广告牌则特别喜欢红色，因为可以突出自己的产品、店铺。所以大多商场没有什么美感，因为当所有人都要突出的时候，结果是不和谐的。这也大概可以解释为什么比较成功的描绘城市的画作都是逆光、黎明、或夜晚。总之，要让那些不和谐处于昏暗模糊中。
我发现很多重视「柔和」效果的画家都很慎用红色。十七世纪荷兰的大画家维米尔的画作里如果有红色，要么是主体物的颜色，可以达到非常突出主体表现的效果；要么就占很小比例，增加了画面趣味，又不破坏整体的和谐。
这里蜻蜓点水的讨论了下红色，仅做启发之用。对颜色的奥秘来说，冰山一角都不算吧。
