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原文摘录

我的批注

第1章　用摄影交流

1、非语汇性交流

摄影是非语汇性交流的一种形式。在最佳情况下，一幅照片可以把一个人（摄影师）的思想传达给另一个人（观看者）。在这方面，摄影类似于其他非语汇性艺术形式，例如绘画、雕塑和音乐。贝多芬的交响曲可以向它的听众诉说；伦勃朗的绘画可以与它的观众倾谈；米开朗基罗的雕像可以和它的倾慕者交流。现在，贝多芬、伦勃朗和米开朗基罗已经无法亲身解释其作品背后的含义，但这种现身说法早已变得多余。即使他们不在，交流依然可以实现。

非语汇性交流的艺术，在金字塔的顶端，因为它基于人性的共性。

2、成功三要素中，最重要的是激情

人的三种因素结合起来，就可以在任何领域获得成功，这三种因素是激情、才能和努力，如果只具备其中的两种，则也有可能成功，前提是这二者必须有激情！

兴趣是最好的老师。

韦斯顿不会拍摄瞬间发生的事情，纽曼不会拍摄风景照，尤斯曼不会拍摄不幸的社会成员，阿勃丝不会印制出超现实效果的多重影像。他们的每一位都专注于自己兴趣最大、本领最强的领域。

因为每个伟大摄影家都有其独特的观察方式，这种方式会贯穿在他的整幅作品之中。

激情在摄影中，表现为对景物的一种即时的情绪反应。本质上说，如果景物可以在视觉上刺激我，我就会拍下它。

3、激情引发的摄影行为，如何有效实现交流功能

一旦我确定了什么东西对我触动最大，以及我对它的反应如何，我就必须强调所有可以加强这种反应的元素，并弱化那些会削弱这种反应的元素。”

摄影时的感觉，请跟着自己的心走。

我的照片所唤起的感觉，就是我对风景的评价。如果读者的反应如我所料，那我就成功地传达了自己的思想。

然后合理的引导，传达给观众你自己当时的心境，这张照片就成功了。

大部分艺术家所主要追寻的不是真实，而是一种恰当的方式，以表达他们所理解的真实。

至于是不是客观的真实已经不重要了。

第2章　什么是构图

1、构图是一切艺术的根基

而对于任何艺术上的努力，有一个说法是可以明确的：必须要有好的构图。

雕塑的构图是造型，音乐的构图是曲式，等等……

2、构图可以引导读者视线，分清主次

在观察场景的时候，眼睛会在显著的物体上停留片刻，把它看清楚，而把其他东西留在模糊之中。因此，眼睛所观察的整个场景，其清晰程度和注意力是不统一的。

从生物学的角度分析。

好的构图，就是艺术家消除随机性、有计划地安排读者视线的方式。

也可以说，好的构图，是引导读者视线落到相片中重要元素上的艺术。

3、构图可以靠理性，更可以靠直觉

摄影师应该认识主角，对他感兴趣，对他有一定的看法，并努力把主角的个性以最强烈的方式表达出来。有时，摄影师必须强烈依赖于第一印象，因为他往往很难花上足够的时间来完全了解主角。

成年人，尤其是资深的摄影师，往往会被经验牵着走，而忽略直觉性的、灵动的东西，而这时，第一印象是个很值得关注的点。

尤素福·卡什（Yousuf Karsh）也不可能和丘吉尔一起待上几天，然后才拍出那张著名的肖像。亚当斯说他拍摄《月出赫尔南德兹》时特别匆忙。摄影师往往只能对他的拍摄对象获得快速印象，因此他的感知和定性必须又快又准。

有时候靠直觉摄影也是情势所迫。

我不知道怎样才算好，但我知道我喜欢！”我觉得艺术应该提供让人喜欢的、从真实或虚拟世界提取出来的视觉精华。

但只要最终的结果自己喜欢，就是好的构图！

第3章　构图的元素

“好的构图是最强烈的观看方式。” —— 韦斯顿

1、影调（的反差）

反差受影调范围的影响并不大，起决定作用的是它们之间的关系。对于拥有深黑和亮白色的照片，传统的中性灰可以柔化其反差，使它成为反差适中的照片。如果作品中最深和最浅的灰度紧邻在一起，而印相又使其中一端缺失，那么最终的印刷品会显得反差非常高。只要影像中的中间影调消失，高反差的效果就会被增强。

影调本身不是重点，反差的影调才是重点。

高调作品容易产生积极乐观的情绪，而低调作品容易产生阴沉悲观的情绪。

对应着音乐的高调、低调是一样的。

一幅构思完善的高调作品通常会表现出一种充满阳光、清爽轻快的感觉，或者是一种乐观精神。然而，有创造力的摄影师可以用相同的影调表现出忧郁感。

所有照片都应该有纯白和纯黑，以及之间的灰调（除了在可以取消中间调的画意摄影中）。这条规则不仅不能成文，更应该置之不理。

大师的摄影作品里不乏高短调和低短调的佳作。

实际上，中间影调应该最受重视，因为它们可以成为作品的死穴，也可以为作品带来最微妙的特性。

其中的原因可能是人们希望创作“丰富”的作品，创作可以抓住眼球、充满戏剧效果的作品。但是，你需要的可能是一种平静、沉思的氛围，一种让读者坐下思考而不是跳起高呼的氛围。

不要过于追求抓眼的作品，耐看才是王道。

2、线条

线条可以拖住视线，这是文艺复兴时期艺术家们在研究透视的时候首先发现的。

这里的线条不一定都需要连贯的。

斜线具有强烈的构图效果，因为它们有着内在的不稳定性。

紧张的曲线可以比宽松的曲线承载更多的戏剧性。

任何一种线条的情感内涵都没有固定的准则。当线条与主题以及其他构图元素（例如反差和影调）相结合，它们会有助于确立摄影作品的总体氛围。

3、形状

所有的照片都有线条和形状（任何东西的边缘都是线条，而它自身就是形状）。

我觉得线条主导的图像比形状主导的图像更果断。线条是一种动态的视觉诱饵，可以迫使视线跟随它移动，而形状则会让视线在观看的时候停下来。此外，形状主导的图像会让视线跳跃，从一个形状跳到另一个，然后再把图像组合起来，而线条主导的图像会让视线移动得更流畅、更快速。

4、质感

质感往往不被看作是一种构图的元素。它可以是最吸引眼光的视觉表现手法。

5、相机位置

当你遇到一个震慑到你的场景，你必须马上对这种冲动作出本能的反应。这不是说你要马上拍摄，而是要马上对它进行研究。

快速反应、敏捷思考，果断拍摄。

6、镜头焦距和裁剪

如果所有镜头的分辨率都是无限高的，而所有胶片都是极端细腻的，又或者如果相机传感器有无限个像素，那么我们只需要用一个广角镜头拍摄，然后再按我们的需要进行裁剪就可以了！那样我可以慢慢选择如何裁剪每幅图像。

可惜现实并不如愿，所以要考虑焦距选多少的问题。

7、 景深

如果你想整幅图像都清晰锐利，而场景中又同时含有距离相机很近和很远的物体，你最好聚焦在最近物体到最远物体的1/3距离左右。这个距离被称为超焦距。然后，把光圈缩到最小。当光圈缩到最小，焦平面前后的清晰度都会增加，但程度不相同。景深（即焦平面前后两个清晰端点的距离）从焦平面朝向镜头增大的速度，大概是背向镜头的一半。这就是选择1/3距离对焦的原因。

超焦距的讲解，可以看这个视频讲解：https://www.youtube.com/watch?v=8LcM3bDhMzY

image.png

把光圈缩小来增加锐度也会有坏处。当光圈逐渐缩小，就会发生衍射。衍射是小光圈造成的光波弯曲现象，让原本锐利的聚焦范围（甚至焦平面）随着光圈的缩小而变得不清晰。在光圈很小的时候，虽然景深增加了，而图像中却没有一处是真正锐利的。

光圈不要追求的太小。比如拍摄风景照时 f8 和 f11 的成像较好，或者用景深合成（利用 PS 里的堆栈合成）

8、光

看下面的第5章 光

9、色彩

看下面的第6章 色彩

10、抽象与联系

这些元素（线条、形状等）并不是抽象的，而是真实的事物（树干、面孔、云、建筑、阴影等）好的艺术家可以把现实中的事物当成抽象元素一样联系起来，以观察它们合在一起会不会组成成功的画面。

摄影的本质（也是所有艺术的本质）在于艺术家创造出来的联系。一个音符是没有意义的，除非它与其他音符结合在一起。

大部分摄影师一开始的时候，往往会认为主题对象是高于一切的。而随着时间的过去，他们会变的更老练，他们的重点会更多地转向研究光线、形状和场景中的奇妙关系——即使拍摄的是某种激起他们兴趣的主题对象。

摄影师寻找联系，而拍快照的人寻找的是‘东西’。

11、平衡与动态

而平衡的构图则会显得轻松舒服。而一些摄影师则经常谋求不平衡性，以制造出紧张感和不适感。

获取平衡感最简单的方法就是对称，但对称构图必须要处理得非常纯熟，不然就会显得很乏味。

动态与平衡是互相联系的。如果动态是从左到右的，那么必须在右边加重分量，才可以维持平衡，

要敢于打破构图规则

规则是愚蠢、武断、无知的东西，它可以很快地把你提高到一个庸才的水平，然后阻止你继续进步。一些最著名的规则—— 1/ 3 定律、避免在图像中间出现水平线的规则、要让图像从左向右看的规则、不要把兴趣中心放在图像正中的规则，以及其他更多——都是无效的、不值一提的约束。

规则就是用来打破的。

总结

好的照片是一种视觉陈述，构图中的所有元素都只是用来强化这种陈述的工具。所有构图元素，其自身都是没有意义的。我们必须相互一致地运用每一种元素，来表达我们在第2章所讨论过的统一思想。

就像文章的每个字都没有意义，组合在一起就是《莎士比亚》。

一个个人的 tips：你可以半眯眼睛，让图像变得模糊（或者，如果你戴眼镜的话，把它摘掉），那你就可以只看到主要的形状，而见不到更小的细节。 从而方便你去构图。

第4章　视觉化

1、洞察力

“观看（looking）”和“察见（seeing）”是很不一样的。往往两个人观看同一样东西，一个人可以察见很多东西，而另一个却可以什么都见不到（当然后者也看到一些东西了，但他却没发现其中的意义）。正如一个经验丰富的侦探在检查犯罪现场的时候可以发现很多常人会忽略的线索，敏感的摄影师也可以察见其他人见不到的构图。见到和见不到的区别，在于洞察力。洞察力是区分侦探和门外汉、伟大摄影师和一般拍摄者的要素。

2、预视觉化与后视觉化

即当我们站在相机后面的时候，就要构思最终的效果，然后设计出相应的策略来获得它，这种方法被称为“预视觉化”。

预视觉化也可以被“后视觉化”放大。

还有一种后视觉化的形式，那是尤斯曼使用的方式。一开始，他拍摄一切让他感兴趣的东西，而不去分析为什么这些东西会引起他的兴趣、他想要表达什么，或他希望最后的效果是怎样。然后，他把这些原始图像组合成最终的图像。

先搜集素材，再发挥创意。

无论最终作品是预视觉化、后视觉化还是二者结合的产物，你的目标都是引起读者的反应。

第5章　光线

1、摄影的本质就是光

摄影（photography）这个词是塔尔博特（William Henry Fox Talbot）在1839年拍摄第一张“负正系统”影像时定下来的。photography是由photo（光）和graphy（绘画）这两个希腊单词组成的。塔尔博特把摄影看成“光的绘画”。

胶片和传感器记录下来的唯一东西，就是光。它们不理解什么是拍摄对象，不认识脸孔、树木、建筑、日落等。它们只知道光的等级。

2、光的作用

其实，光线是最重要的构图元素，因为它决定了形状。你应该把光当成一种指引读者视线的方式，把视线引导到你想要的地方。（上面有提到）

3、学会观察光线

敏锐的摄影师首先会观察画框中光的分布，然后再观察其中的物体。当然，你一开始被场景所吸引的原因是物体，然而一旦拿起相机，你就应该停止思考物体，而集中思考光线。如果光线本身可以把视线吸引到适当的物体（你想强调的物体）上，那么构图就可能会很强大。

在我超过35年的教学经历中，我发现大部分初学者（以及很多经验丰富的摄影师）观察的都是物体，而不是光线。

这里有一个好的练习方法，能提高你对光线的理解和领悟。无论在什么时候思考光线（驾车上班的时候、坐在办公室的时候或与朋友散步的时候），你都要马上想象一个画框，把场景框起来，并决定画框中最亮和最暗的点。这听起来似乎是微不足道的事，但并非如此。坚持这样的练习，你会看到以前会错过的东西。当你在上班的路上遇到红灯停下来的时候，你可以把汽车、建筑、街头标志及其他常见的城市事物框起来。马上，你就会注意到刷在马路上的白线是最亮的，在经过一番研究后，你又会发现汽车保险杆的反光比白线亮得多。而寻找最暗点也会让你有所惊喜。一开始的时候你会觉得马路的黑色沥青是场景中最暗的，但最后证实建筑物的通风管口要暗得多。

4、光照的类型

（1）方向性光源

在户外，晴天天气可以提供方向性光源，即黎明和黄昏分别从东面和西面照射过来的光。但阳光与晨光或昏光（日出前或日落后的天光）有所不同，后者没有因阳光照射而产生的浓重阴影。

方向性光源可以分为侧光（从两侧射出）、顺光（从相机后面射出）、逆光（从拍摄主体后面射出）。

顺光在风景摄影中是很少使用的，因为它经常会产生平淡、无趣的影像，但任何规则都有例外的时候。

（2）无方向性光源

阴天天气则提供无方向性光源，虽然早晨或黄昏朦胧的（无影的）烟云可能会稍微带有一点方向性。

5、光照的特性

（1）强光

直射的泛光源或点光源会产生强烈的方向光。

（2）弱光

对强光使用柔光罩或者利用反光板、墙壁或天花板进行反射照明，则可以产生柔和的方向光或无方向光。

大部分摄影师会避免柔和、均匀的光线，因为他们相信这种光线会让照片显得平淡乏味。柔光可以表现出形状的连续性，但它不会表现或增强照片的平淡性。

（3）对比

弱光可以表现出孤独感和隔离感，而强光可以变现出开放性、亲和力或亲切感。

你可以轻易地把他拍摄成温和友善的人或者凶恶暴躁的人。

6、眼睛跟相机看到的不一样

用眼睛观察场景的时候，是从明亮区域移动到阴暗区域的，眼睛的虹膜（眼睛的“光圈”）先收缩再放大，以抵消光量的变化。这会把反差降低，并会把场景中的片断混合起来，让它更容易被理解和接受。

而照相机是一件光学机器，不具备与人类相似的可以在巨大光比条件下看清整个场景的能力。

我见过一些照片，其室外部分的光照似乎和室内一样，这完全没有现实感，几乎是卡通片的表现方式。你要牢记自己的目标。如果你真的希望创造抽象性，那就照那么干！但如果你需要现实感，那就应该思考一下光的逻辑。

7、平方反比律

在室内，我们必须处理“平方反比律”的问题，即随着光源（打开的窗户、居室灯具、泛光灯、聚光灯、反光板等）与主体距离的增加，光的减小量与距离的平方成反比。用日常的话来说，如果有三件物体，分别放距离光源1米、2米和3米的地方，那么第二件物体接收到的光量只相当于第一件物体的四分之一，而第三件物体接受的光量则只有第一件物体的九分之一。

在户外，平方反比律并不适用（因为太阳离我们太远了），天空的亮度会比地面的亮度高很多，尤其是在阴天的时候。一片宏伟的风景最后可能会变成一幅让人失望的照片，它的下半部会很暗，而上半部会很亮，甚至可能会变成一片死白。

第6章　色彩

1、彩色摄影和黑白摄影

我觉得，彩色摄影与黑白摄影其实是两种不同的创作媒介。我对它们的创作方式、理解方式和创作目标都是不一样的。

彩色摄影可被接受的调节范围没有黑白摄影大，因为彩色摄影更接近现实，更难于改变。另一方面，纯粹的彩色抽象影像则可以对实际色彩进行任何改变。

我一直觉得，要拍摄出可以让人接受的作品，彩色摄影或许比黑白摄影容易一些，但如果要拍摄出杰出的作品，彩色摄影或许难度更大。

由于彩色摄影太容易理解，它很难脱离一般的记录性影像，变成一种个人表达方式。

2、色彩的作用

第3章我们讨论到了正／负空间，它是影像中明亮区域和阴暗区域的相互作用，而它在彩色摄影中也有着有趣的延伸。不仅明亮和阴暗区域可以产生正负关系，色彩的变化也可以如此。某个色系与它的对比色系可以互相影响，产生迷人的正负关系。

分清色彩反差和影调反差。

色彩反差=饱和度

影调反差=明度

色彩的协调（同一色系的颜色）有助于形成构图的统一性，而色彩的对比则有助于营造强烈的戏剧性。

人的视线会快速地跳跃到构图主导色调的对比色，就像在黑白摄影作品中，从主导的暗调一下子跳到白色、或者从主导的亮调跳到黑色。

很多彩色的构图中都会含有不适当的干扰，因为它们会引开视线。简单的权宜之计，是把相机旋转一下，让拍摄对象远离边角，从而减轻失衡感，使图像得到改善，但唯有边角附近的元素可以增加视觉趣味、并与拍摄主题有所关联的时候，这种做法才可以起到改善作用。有时候，图像中其他地方的一个相关颜色的小斑点，就可以与边角处的颜色形成强烈的视觉关系，足以使构图取得平衡。

它们可以让读者产生新的联想，他们的潜意识中或许也曾经见过这样的色彩关系，但是却没有从来没有停下来观察或思考它们。现在，你把它们展现出来了！读者马上就可以看到他们此前从来没有下意识观察和思考的东西。你拓展了读者的视野，这就是一种成功，它说明了你有发现和展现这些事物的眼界。

3、数码色彩处理技术

但是随着数码技术的出现，对色彩的滥用已经很普遍，它可以把所有东西都处理成光怪陆离的影像。而看看中国或日本绘画中色彩的微妙变化，你就可以明白合理使用淡色调的力量。

另一种经常被过度使用的Photoshop工具是锐化。但问题是锐化工具经常被使用过头，导致整张照片上的物体边缘可以看见一条黑色的细线。

色彩平衡可以通过滤镜来改变。

4、实践

在白天的第一个小时和最后半小时，阳光的颜色变化得非常快，而其他时间则几乎不会有颜色变化，改变的只是太阳的方向。

在城市，由于平方反比率，路灯和其他点光源会产生充满斑点、反差极高的效果，这种情况是很难对付的。一个聪明的解决方法，是在刚好日落之后（或日出之前）拍摄，这样天空上还会有足够的晨光或昏光来冲淡点状光。如果能避开点光源，月光摄影就可以很成功。一般，晚上的亮度太低，测光表无法起作用，但你可以分别试验圆月、半月或和弯月下的曝光时间。只要你能锁定这些光照条件下所需的曝光时间（往往需要长时间曝光），你就可以开创一个自己此前从没考虑过的全新摄影领域。

拍月光摄影可以不用等到完全天黑，最好选择刚好日落或者日出。

曝光的稍微降低，可以明显地强化色彩和氛围，而稍微增加效果则相反。无须多说，曝光的大幅变化可以让影像的高光丢失，或让阴影变成一片混沌，从而毁掉这幅影像。但是，细微的变化却可以对整体氛围起到显著的改善作用。

第7章　滤镜

1、黑白摄影

在黑白摄影中，所有颜色都是以灰阶的形式出现的，其灰度对应于色球上的极轴。如果两个物体颜色不同而灰度相同，那在黑白照片中可能就很难把它们区分开。

我们会联想起一个经典的例子，红色的苹果和绿色的叶子。如果我们用绿色滤镜，就会出现：苹果更暗而叶子更亮。绿色滤镜会是更“真实”的选择，因为变暗的苹果会显得更重。在心理上，我们会觉得深色的物体在重量上会更重一些。

黑白摄影中，让轻的东西呈现浅色，选用浅色对应颜色的滤镜。

如果两个滤镜颜色相同，更深色的滤镜过滤能力就更强，其他颜色通过的比例就越小。因此，深红色的滤镜只允许红色之外的极少颜色通过。

2、彩色摄影

红色滤镜可以让红色光完全通过，而黄色、绿色、蓝色和其他颜色的光线则会受到不同程度的阻挡，这取决于它们与红色在色球上的距离有多远。

第8 ~ 10章

略（因为是讲解传统胶片的部分）

第11章　后期处理

1、文件格式

RAW文件本质上不是图像，不能直接查看。它是产生图像的信息，通过RAW转换器软件生成可编辑的图像文件

RAW文件类似于曝光后、化学显影前的底片。

例如标签图像文件格式（TIFF）、Photoshop文档（PSD）,这些图像文件可以用于此后的扩印。

这个阶段类似于显影后准备用于扩印的底片。

2、在说直方图前厘清一些概念

像素数量类似于胶片的分辨率。

位深代表的则是每个像素所表现的不连续影调的数量。

每个传感器都有它的固有亮度响应范围（被称为动态范围）。这个范围会随着不同的相机型号而改变，同时也可能随着 ISO 设置而改变。

ISO 越大，动态范围越小！

3、用直方图改善曝光

请用直方图按钮快速检查曝光，并改善你的照片。

如果直方图的端点没有延伸到左右边界，照片的亮度范围就小于相机的动态范围。

如果你降低曝光（即使用更高的快门速度、更小的光圈和／或更低的ISO），直方图会向左偏移；如果你增加曝光，直方图就会向右偏移。

如果场景的亮度范围小于相机的动态范围（直方图没有延伸到显示范围的整个宽度），你最好增加曝光，让直方图离右边界（而不是左边界）更近，从而通过更高的曝光取得更多的信息量（当然，曝光应低于右边界的裁剪）。

在没有剪切的前提下，应尽量增加曝光。这样，拍摄可以带来更多的数据和更好的照片质量。最后，不要担心你拍摄的照片在显示器上看起来像被漂洗得褪色一样，你可以轻松地保留阴影的细节，并用RAW转换器消除增加曝光的效果。

还记得《纽摄》里说，宁可欠曝不可过曝，导致我拍照一直习惯为了稳妥经常欠曝。但是其实这个说法比较落伍了！

具体可以看这个讨论：http://forum.xitek.com/thread-1794776-1-1-1.html，总结的结论如下：

大光比场景“向左曝光”，暗区后期提亮，使高光区不死白。
小光比场景“向右曝光”，后期减曝光量，使画面噪点最少。

注意，如果场景中含有反射高光（例如阳光照射在汽车的铬合金组件上形成的反光），正确曝光的直方图会显示某些像素的亮度已经位于右边界上。这时，曝光过度／曝光不足的闪烁显示（下文讨论）将会对解读直方图有所帮助。不要担心这些区域，因为你希望这些反光表现为全白。

如果打算拍摄的最终影像是彩色的，你最好观看三色直方图，而不是亮度直方图，因为任何一种颜色的曝光过度（剪切）都可能导致高光颜色的偏差。

最方便的方式也许是设置为自动曝光模式，根据当前的光线和主题环境，采用曝光补偿来设定曝光的偏移。

只要环境光和现场条件保持不变，你就应该使用相同的曝光偏移。每次拍摄都必须浏览直方图，以确保光线没有明显改变。在这个方面，直方图的作用与测光表很相似。

有些相机有自动包围曝光功能，可以自动拍摄多次曝光。记住，仅用两张只有1挡曝光间隔的照片来合并（虽然我推荐两挡）。

4、白平衡与色彩平衡

相机的白平衡设定是作为元数据的一部分，与RAW文件一起保存起来的，所以你可以任意改变白平衡设置，选择不同设置之间的色温，预览效果，并再次更换设置，无论怎么设置，都不会造成成像质量的损失。

在ACR中，色彩平衡设定是由“基本”标签下的“色温”和“色调”滑块控制的。ACR的“白平衡”下拉菜单可以提供一系列的预设色温，包括“日光”、“阴天”、“阴影”、“白炽灯”等，你也可以通过移动“色温”和“色调”滑块来选择任何值，或者直接输入数值。

色彩管理是通过数码处理让场景色彩被正确还原的科学和艺术，白平衡和色彩平衡只是其中两个较大的主题。色彩管理系统的目标，是让镜头前的色彩能够准确地还原到电脑显示器、英特网以及扩印照片上。现实中，这个目标是无法完全实现的，因为每种设备的拍摄、显示或印刷色彩空间都是有限的。

保持不同设备之间色彩一致性，是色彩管理系统的功能。

5、曝光和白点黑点

在 ACR 中，“曝光”和“白色”滑块用于设定白点，“黑色”滑块用于设定黑点。这三个滑块可以确定纯黑和纯白的端点，从而确定影调。

“曝光”滑块会让整个直方图向右移动，而“白色”滑块则只调控最明亮的高光，让你可以取回最高的亮度值。

如果你想创作高调影像，那就提高“曝光”和“白色”的设置，让最暗的区域还原成中间调或亮调。

在移动这些滑块时，同时按住“Option”键（MAC）或“Alt”键（PC），可以协助你的设置。

6、锐化

从拍摄到印相，每一个步骤都会引起图像锐度的弱化。修正的方法，就是运用锐化，其原理是增加图像中明暗交界的局部反差。

不奇怪，有效的锐化和过度的锐化之间往往只有很小的差别，要取得真实性，那就要锐化，但不要过度锐化。

把图像放大到 100％。为了看到你的处理效果，首先要加大“数量”值，然后调节“半径”和“细节”滑块。原则上，以细节为主导的图像（例如地面的松针、年老的数木、荒废的建筑、教堂的石刻等）往往在 0. 7 ～ 0. 8 的较小半径设置下会有最佳的效果，而带有平滑质感的图像（例如皮肤、波纹轻柔的水面、混凝土表面等）往往在 1. 2 ～ 1. 4 的设置下效果最好。

7、转黑白照

（1）方法一 - ACR

在 ACR 中，你可以打开“ HSL／灰度”选项卡，选择“转换为灰度”复选框。然后，在图像窗口使用“目标调整工具”（快捷键为“ V”键），在图像的不同部分拖曳鼠标。 ACR 会增加或降低你所拖曳过的颜色的比例。或者，你可以移动色彩滑块，观察灰阶图像的效果变化。记住，处理后的图像会被保存为灰阶图像，而你可以在 Photoshop 软件中转换为三通道的 RGB 图像，如果你想这么做的话。

（2）方法二 - Photoshop

然后在 Photoshop 软件的“黑白”调整图层中转换。在 Photoshop 软件的“图层”菜单中选择“新建调整图层”，然后选择“黑白”。然后，“调整”面板就会打开。点击左上角的“在图像上拖移”工具（其图标是一个手指和两个箭头），然后单击图像上的一个区域，左右移动鼠标。向右移动会提亮指针下面的灰阶，向左则会压暗。把鼠标移动到不同的区域，重复调整步骤，直到取得你需要的效果。或者，你可以用“调整”面板中的色彩滑块来操作，并观看效果，你也可以同时使用“拖移”工具和滑块。“黑白”图层的一个特征是非破坏性，你可以在完成其他调整后随时修正设置。你也可以创建不止一个“黑白”调整图层，比较不同的效果，还可以通过图层蒙版让不同的区域应用不同的“黑白”转换图层。

8 、九区灰阶表

略

9、其它

除了使用ACR的“曝光”、“白色”和“黑点”滑块，你还可以在转换RAW文件后，在Photoshop软件中使用“色阶”和“曲线”图层进行微调。

场景通过镜头投影到像点列阵上会产生一些负面效果，包括色散、晕影、噪点和锐度损失。RAW转换器有一系列工具，可以校正这些失真。

第12章　展示

照片的相框或展示方式不应该抢夺注意力。最好的展示，应该是朴素、简单、保守的。浮夸的展示方式会把注意力引离图像，只有照片本质上很差劲，才需要这样的展示。

不能喧宾夺主呀。

这章大多数内容都在说裱起来，所以略过了。

第13章　打破摄影的神话

1、分区系统让你的底片可以直接扩印出与现场所见一样的照片，而不需要进行加光和遮挡

反对理由1：你的所见与相机的所见是完全不同的。

反对理由2：我一直都说，应该按你想要的反差范围来显影底片，而不是按场景的固有反差来显影。如果场景反差很高，而你希望它变得更高，以达到你的表现意图，那就对底片进行加法显影吧。如果场景的反差相对较低，而你希望它变得更柔和一些，那就进行减法显影。你可以这么做，那是允许的！在艺术上甚至是合理的。

出于表达的目的，你需要的是视觉趣味，而不是如实的精确性。即使是严肃的纪实摄影，你也应该需要一些处理，以柔化无法控制的粗砺光线。

我的处理不是出于重建我观看场景的方式，而是要改变它。

2、最好的风景照片应该在日出和日落的一个小时或一个半小时内拍摄

反对理由1：拍照除了对光线的需要，你没有理由在一天的任何时刻放下你的相机。

反对理由2：不是所有风景都是广阔的风景。而且，不是所有漂亮的线条或形状关系都是在低角度光下出现的。你的洞察力、直觉和创意不会在中午神秘消失，你的设备和器材也不会。

3、所有黑白照片都需要好的黑色、白色及两者之间的影调

反对理由1：大师一样有高调的或低调的摄影佳作。

反对理由2：其原因是大部分初学者（以及更多的高等摄影师）想在每张图像中寻找戏剧性。他们不愿意、或者害怕用醇厚的灰调传达出平静的感觉。

过于追求戏剧性，会导致看这样的图像，就像听一首每个乐句都是渐强的乐曲，很容易让人感到乏味。然而现今，彩色摄影往往用最高的反差和最饱和的色彩来表现，就像漫画一般。这样会缺乏克制性和真实感。

不单单是影调，所有的技术都没有你要传达的情感重要！

所有伟大的艺术都表达情感。这对音乐、文学、雕塑、绘画、舞蹈以及摄影都是适用的。任何领域中最伟大、最经得住时间考验的作品，都会有巨大的情感冲击，这就是它们被认同为伟大作品的原因！

那么，请记住：信息是重要的，情感是重要的，而技术只是摄影师与读者进行交流的支撑。如果你的照片技术一流却没有陈述任何东西，你就不能创造出什么价值。亚当斯强烈赞同这种理念，他说：“清晰锐利但思想混乱的照片是无用的，它什么都不是。”

4、兴趣中心应该放在照片中垂直和水平1/3的地方

反对理由1：有时候，为了刻意营造不平衡性，或者为了平衡另一侧靠近中心的较大元素，你也许希望兴趣中心（如果有兴趣中心的话）放在边角的地方。

还是按具体需求来，不必刻板。

反对理由2：”水平线不应该等分照片“、“黄金分割法则”，这些规则天生就是用来被打破的。

第14章　摄影技术和艺术忠实性 & 第15章　摄影的真实性、抽象性和艺术性

1、现实性

在描述现实方面，摄影比绘画更好，它更精确，限制其精确性的，只是镜头的质量。绘画经历几千年的发展，却受到了伤害。到了 18 世纪 70 年代，摄影正对世界产生巨大的影响，而绘画对这种挑战的反应，是一系列著名的运动。印象主义、后印象主义、点彩主义、野兽主义、达达主义、超现实主义、立体主义还有其他流派，一个接一个地出现（或者同时出现），为的是把绘画重新定性为艺术。这些努力被其他运动延续着，例如现代主义、抽象表现主义、后现代主义、坎贝尔汤罐主义、波普艺术、欧普艺术等，未来也许还有杂货店艺术。

每个著名的绘画运动在一开始都声名狼藉，但随后却很快被归类到艺术的殿堂中。

如果伦勃朗、戈雅、庚斯博罗、雷诺兹等大师的肖像画是在现今完成的，很明显，大概都会被无视，因为它们太具象、太真实了。

其实，在某种程度上，摄影固有的现实性是它在今天的环境中难以被接受为一种艺术形式的障碍，虽然现实性让它的信息变得很强大。

但即使一幅摄影作品属于现实主义范畴，只要被赋予了摄影师的想象力，它也可以有艺术价值。

比如尽管底片和照片经过了强烈处理，《月升，赫尔南德斯》仍然被人们认为是纯现实主义的作品。这是摄影史上最广为人知和最受喜爱的作品之一。

影像必须具有某些能让它超越纯粹记录的东西。那也许是一种极高的敏感性。

2、抽象性

摄影到达艺术的领土还有另一种方法，那就是抽象化。

你拍摄的某种东西原因有两个：因为它是什么，以及因为它除此之外还是什么。”

我的目标是创作艺术作品。我希望这本书的读者也有相似的目标。我的作品不是为了记录场景，而是要演绎场景。它是我对场景的评论，所以它包含了一些我自己的元素。

融入个人因素让摄影变成了艺术。画家有权利这么做，摄影师也有同样的权利。

3、艺术性

当别人看到一幅摄影作品时：

通常第一个这样的问题是：这是哪里？

第二个问题是：这是什么？

最后一个问题是：这是怎么做出来的？

我觉得这些问题都是外向性的。

外向性问题似乎是摄影独有的。人们很少会对绘画提出这些问题。我怀疑有没有人对其他艺术形式问过这些问题。没有人会问贝多芬第五交响曲是什么，但大部分人都会思考这首交响曲为什么会打动他们！

从艺术的观点来看，内向性的问题会贴切得多。

其中一个问题是：我在照片中看到了什么？

第二个问题是：我对它有什么反应？

无论艺术作品是怎样创作出来的，决定其价值的是它的根本观点，而不是创作的方式。

第16章　关于创意的思考

在西方艺术中，创意与独创性几乎是同义词。我特指西方艺术，因为在东方艺术（以及原始艺术）中，独创性相对没那么重要。大部分东方和原始艺术都坚持传统的方法、主旨、意象、风格和信息。东方或原始艺术家们首要追求的，是古代大师的质量。西方艺术并非如此。尝试模仿过往大师的作品，会被认为是多余、空洞和无意义的。向过往大师致敬的作法，往往会被人们不满地视为“复制”。

文化基因的不一样导致我们创新力的匮乏？

我认为，创意是智慧的产物。我不相信傻瓜、笨蛋、白痴或庸人能够创作出有创意的作品，除非极罕见的意外。

今天，谁发动了18世纪末19世纪初的那些绘画运动（印象主义、点彩主义、立体主义、超现实主义等），已经是没有意义的问题了。谁是每次运动中最重要的艺术家？这才是唯一重要的问题。一些评论家甚至激进地说：“谁是某种新风格的第一人并不重要，重要的是最后一人！”

集大成者是我比较关注的。

而摄影的过程始于发现加想象。你的想象力必须把“发现的物体”变成有趣的、有意义的东西，而不仅仅是一件物体。

第17章　凭直觉走近创意

很多人都会遇到激发自己直觉的事物，但他们往往都会惧怕这些念头，把它们打压下去。他们想确保自己所做的，不是离奇古怪、标新立异或无聊愚蠢的事。

有太多的摄影师，他们放弃自己的直觉，而采用他们视为科学的创作手段。

艺术的灵性还是得靠直觉啊！

别逃避你最强烈的直觉：它们往往是正确的。你应该有冒险的胆量。

我的词典把直觉定义为“马上知道或意识到某事，而不需要下意识思考；瞬间的理解”。直觉不仅是立即的东西，它还是来源于对相关或类似问题的深刻理解。

摄影知识的增长会让你的现场拍摄和后期处理变得更轻松。当你需要创作一种独特的效果时，摄影知识会让你有改变普通创作方法的自由。同时，这种选择也会变成直觉，因为你会快速地意识到标准方法无法产生你需要的效果。

当所有事情都做好后，试着退后一步，用冷静的眼光来审视自己的作品，问一下自己，你的作品能否仍能和你对话。

直觉的产出也需要 review 下！

另外，我建议的是，把你的毕生爱好都运用到摄影的观察中吧，尤其是如果那些爱好具有视觉元素。我对物理有毕生的兴趣，虽然不是物理专家，但我从羚羊峡谷上看到了物理的视觉元素。当我迅速把羚羊峡谷和力场联系起来的时候，

我是一个程序员，试问，编程+摄影=？

第18章　通往个人影像哲学

1、在视觉艺术领域

除了摄影，我们还要看看绘画、素描、版画和雕塑。它们可以教给你构图、光线、动态和色彩方面的知识。

知识迁移。

你要特别注重研究那些与你有相近爱好领域的摄影家，但研究别人的时候，要寻找新的想法和方法。不要过于关注他们的拍摄主题，以至于无法学习他们光线、质感、构图、情感、动态和其他视觉和感觉元素，无法把这些元素应用到自己的作品中。

按图索骥。

比起若无其事地浏览几十幅作品，细心分析小部分作品会有价值得多。

2、在非视觉艺术领域

除了通过观赏伟大的艺术作品（绘画、摄影、版画、雕塑等）来让自己大大获益，你还可以从别的艺术形式中获取见识和灵感。长久以来，音乐都从文学中吸取灵感，而摄影也没理由不能受到音乐和文学的启发。

音乐和摄影之间的关系在很久之前就得到了认可。亚当斯对底片和照片有一个著名的比喻——“底片是乐谱，照片是演出”。

文学是另一个能让艺术家产生灵感的领域。任何形式的文学，都可以向你提供灵感。我长期着迷于日本的俳句……

3、其它

摄影也有局限。它不会总能把很多的感官提取到二维的图像中。

你就必须这么做。主观的、有感情的起点会为你的摄影创作带来火花和生命；客观的、理性分析的终点会确保你能向别人展示出具有表现力的、意味深长的作品。

比赛与艺术是对立的。

艺术上唯一中肯的问题是这样的，“它向我表达什么东西了吗？”

我强烈地觉得，学习摄影的最佳方式是老式的学徒制。也许会有偏见，但我确实觉得工作室是提高摄影水平的最佳方式。今天的工作室是最接近学徒制的。你可以选择一位你赞赏其作品的摄影师，参加他组织的工作室。

整书评价

相较于传授入门知识和技法的《纽摄》，这本书更侧重心法，是一本难得的佳作。建议《纽摄》看完后多出去拍片，沉淀半年至一年后再看这本，效果更佳。