随着贸易的开展，带有异域风情的元素开始频繁出现在画作中。今天我们接着看，除了对远方的好奇，当时的画家还喜欢描绘古典神话，并且在建筑空间上玩出了新花样。
在十七世纪，描绘带有异域风味的图像非常流行，比如对远方岛屿风光或居民聚会场景的描绘。这些画通常出现在宫殿的顶上，充满了原始生活的气息，极大满足了人们的猎奇心态。但其实，这种展现人体和异域风情的做法在更早就有了，只是画家们常常用神话故事来掩饰。比如阿特米西亚的一幅叫《达娜厄》的画。这幅画画在铜版上，因为在铜版上画油画，颜色会比在画布上鲜亮得多，非常适合画小尺寸的私密场景。画中的人物躺在铺着红色天鹅绒的床上，她的女佣正拿着斗篷，希望接住散落的金币。在那个时代，女画家画出的女性身体比男画家画的要可信得多，因为她们更懂那些微妙的细节和真实的触感。
当时非常关键的概念“孔波斯托”，也就是“美的整体”。这是巴洛克和洛可可时期最典型的艺术形式。在文艺复兴时期，绘画、雕塑和建筑是相互独立的；但到了巴洛克时期，它们被强行揉合在了一起，打破了各自的边界。
这个概念最早可以追溯到文艺复兴时期米开朗琪罗的设计。他打破了建筑原本的规则，让雕塑和建筑融为一体。比如，他会让墙面的柱子突出，或者让雕塑仿佛要从墙壁中涌出。到了巴洛克时期，这种趋势变得更为极致。当时的建筑师不再把建筑看成孤立的房子，而是把它当作一个巨大的舞台。
整个空间被当成了一个统一的体验。非宗教的建筑里，比如大沙龙或者市政厅的楼梯，设计的目的就是要让人一走进来，就感受到权力的威严和自己个人的渺小。而在教堂里，这种设计就变成了为了引发人们的情感共鸣。在这其中，建筑、雕塑、壁画、灰泥装饰，全都搅和在了一起，你分不清哪里是画，哪里是墙。
当时两个非常典型的代表：一个是意大利的孔波斯托，另一个是北方的孔波斯托。意大利这边的代表，比如耶稣教堂的礼拜堂，画家通过透视技法，用颜料画出了一个假的建筑架构，通过视觉扩张了圆顶的高度，仿佛打开了通往另一个世界的大门。而在北方的德国和奥地利，建筑师则更偏爱那种像树枝一样扭曲、蔓延的装饰线条，他们把这种风格变成了极具戏剧性和动感的视觉体验。
在这些被主题统一的空间里，有一个很重要的功能，就是“说教和情感”。当时出现了一些像《灵修手册》一样的书，教人们如何在脑海中构建一个生动的场景。这些书鼓励人们在祈祷时，去想象自己正站在那些画中的场景里，去感受画面里人物的痛苦和悲伤。这种将图像与人的内心情感强行绑定的做法，极大地增强了艺术的感染力。
