在十七世纪的前期，那种主题统一的内饰风格在阿尔卑斯山北部非常流行。这种风格特别受那些注重规劝和教化的群体欢迎。比如鲁本斯在1620年左右，就在安特卫普的一所教堂里作了一组祭坛装饰画和三十九幅天顶画。他画画的手法非常巧妙，让不同受教育程度、不同社会地位的参观者，都能在这里得到属于自己的观看体验。
而在更靠北的地方，比如德国的一处曾经的教会建筑，后来被重新装饰，画上了几百件灰泥的装饰图样来帮助人们冥想和祈祷。最复杂的作品要数瑞士的一所朝圣教堂。这座教堂的改造时间比意大利罗马的那些还要早。当时由一个团队对空间进行了改造，他们把一个端庄的圣殿，改造成了一个有着剧场般效果的盛会空间。如果你走进去，会感觉自己像在一个神圣的剧场里，两面的画卷不断展开。信徒们一进入建筑，就仿佛进入了一个互动的场景中。
这种北方的装饰风格，虽然不如意大利的那样在风格上显得统一和完整，但他们用极其丰富的符号和含义弥补了这一切。这些北部的内饰不仅受到了传统建筑风格的影响，也吸收了古典的养分。建筑师把一些古老的建筑结构和新的雕塑、祭坛装饰结合在一起。比如科隆的一所教堂，把拱顶、支柱与那些姿态充满动感的人物雕像结合在了一起。
到了十七世纪下半叶，意大利风格那种宏大的建筑在德国和周边地区越来越受欢迎。中世纪的祭坛装饰风格和新的建筑形式，以一种微妙的方式共存了。在接下来的几十年里，一种被称为“德国方式”的风格成型了。它的特点是建筑平面变得非常复杂，几何图案错综复杂，让人眼花缭乱。装饰的种类和数量多得惊人，充满了栩栩如生的雕像、繁复的光线和色彩。
这种德国式的教堂建筑，特别喜欢用光线来制造戏剧性的效果，像英国的一些大教堂一样，它们把各种媒介融合在一起，让信徒产生一种神秘的体验。当光线穿过彩色的玻璃，照在那些精美的雕塑和错落的祭坛上时，整个空间仿佛活了过来。
与北方的这种繁华绚烂不同，在西班牙和葡萄牙，巴洛克时期的雕塑家们则偏爱一种极度写实、甚至带着点触目惊心效果的风格。比如西班牙的一些祭坛，中间是木雕的受难场景，人物身上的涂装和衣服的质感真实到让人害怕，甚至连流出的血都被刻画得清清楚楚。这种风格和我们常见的意大利那种典雅的雕塑完全不同。它的目的不是为了展示人体的美，而是为了让看画的人感受到那种切肤的痛感，从而引发最深切的悲悯与共鸣。
他们特别喜欢用木头雕刻，然后再上色，甚至给雕像穿上真实的衣服、带上真实的饰品。这种极端的写实主义，是为了让信徒在祈祷时，能最直观地感受到故事里人物的命运。这些雕塑虽然不像意大利的那么“完美”，但它们那强烈的情绪表达，在当时的信仰生活中扮演了极其重要的角色。
巴洛克时期的教堂像一个巨大的“情绪放大器”。不管是北边那种把音乐、光线、雕刻全揉在一起的空间，还是南边那种逼真到甚至有点骇人的木雕，他们都在做同一件事：用尽一切手段，去拨动走进这座建筑里那个人的心弦。艺术在这个时候，不再是挂在墙上供人欣赏的装饰品，而是变成了直接参与人们精神生活的一部分。在这样的空间里，无处可逃，只能被它包裹，被它打动。这大概就是“美的整体”真正的力量。
