文·段宏刚
中国瓷器在世界上的知名度极高，大约在3000多年前被中华先民发明出来，是中华民族对世界文明的伟大贡献。从明朝中叶开始，随着世界各地商贸往来的繁荣，中国瓷器开始风靡全世界，一度成为欧洲王室的香饽饽，他们不惜代价收藏各种中国瓷器，甚至为其建立豪华陈列馆用以展示。
中国传统瓷器最显著的特征是精美绝伦，端庄古朴，既有形式美，也有文化底蕴，自带一种自然天成的浪漫色彩。胎面上的图案往往是具有东方审美情调的水墨画或书法，让其带上深深的中国味道。因此，它一度成为中国的代名词，英文干脆用“瓷器”本身的称谓“china”，来代称中国。
许多外国人非常喜欢中国瓷器，由此专门出现了一大批以瓷器作为创作元素的陶瓷艺术家，只不过，他们的创作并不是烧制瓷器，或者在瓷器胚胎上作画，而是对传统瓷器加入自己的独特见解和艺术理念，对其进行再创作。
来自韩国的艺术家耶索肯，就是一名对瓷器进行再创作的艺术家，在他眼里，瓷器不仅仅有欣赏价值，还应该带上对现实社会的批判与反思。人们把他的作品称作“新瓷器”艺术，也可以说，他是这门艺术的创始人。
耶索肯的做法是：将破碎的瓷器碎片，采用韩国和日本的工艺传统，粘合成一个整体，使其变成“陶瓷雕塑”，继而把其塑造成一个新的艺术形象，从而带给观众一些思考。
耶索肯的“陶瓷雕塑”每一件都不雷同，乍一看，他的作品给人奇形怪状的印象，大部分观者看不懂他做的是什么玩意。
实际上，他的作品要整体欣赏才能看出门道。从整体到局部仔细欣赏完，再发挥自己的想象力，还是可以在他的作品里看到许多形象和元素，比如，有威严的神灵，精致的器皿，以及各种飞禽走兽融合在一起。
整体来看，他的作品带有一种神秘而诡异的气氛，呈现出两大特征。
其一，造型上毫无规则可言。
耶索肯的作品，不论是神灵、器皿还是动物，都呈现出不规则的特点。
众所周知，中国瓷器最重要的一条审美标准是“对称美”，不论任何艺术造型，都遵循左右或者前后的对称，而在耶索肯的作品里，完全看不到这些，他的作品要么看起来头重脚轻，要么看起来左胖右瘦，几乎看不到任何美感。
不过，他的作品毕竟是拼接起来的，我们不能用中国瓷器的审美标准来对待。何况，从艺术的角度而言，他的作品也算是一种创新，他为此也付出了不少心血和时间，我们应该尊重他的劳动成果。
其二，刻意突出裂痕的美感。
耶索肯创作的所有作品由于都是用瓷器碎片拼接、粘合起来的整体，作品里注定会带有裂痕，裂痕肯定会影响作品的整体美感。
为了把这种现象的破坏性降到最低，他索性“反其道而行之”，刻意突出了破碎造型的艺术美感。
具体做法是，给陶瓷雕塑的裂痕，加入镀金工艺的理念来完成，并且，镀金的地方做得很厚，看起来很显眼，瓷器细腻的色彩和圆润的质地，跟金子的粗犷大气，形成了一种鲜明的对比。他对外宣称，他的创作灵感来自一种日本艺术。
耶索肯是从2002年开始创作“陶瓷雕塑”系列作品的，时至今日，他已经积累了20年的创作经验。他自豪地认为，他的创作是变废为宝的过程，对人类社会的意义重大。在他眼里，一块破碎的陶瓷找到另一块并不容易，它们在接口、形状、大小等方面必须达到契合，产生相互依赖的关系才能当作创作素材来使用，这情形就像恋人一样，必须有一种天然的吸引力和亲密度才行。
耶索肯把自己的作品展示出来后，大部分人认可了他的创作，认为他的作品既有形式美感，也有鲜明的创新精神。
然而，少部分人并不认可他的作品，对这样的创新表示不理解，尤其是中国观众看完他的作品，评价道：他的作品只是把瓷器碎片粘合起来而已，毫无艺术美感可言，这样做是对传统陶瓷艺术的亵渎，并且，他拼合起来的作品看起来怪异、恶心，有些物象如同来自地狱的厉鬼和怪兽，应该称作“阴间艺术”才对，真不知道他这样创新的意义和目的何在。
艺术贵在创新，新兴的艺术总会受到非议，这是很正常的现象。耶索肯的作品太过新奇和前卫，颠覆了人们对传统艺术的认知，因此，才会遭到批评。也许，随着大众以后对艺术的理解和感受不断提升，艺术思维拓展以后，方可欣赏他的作品。就像100年前人们面对梵高的作品会不理解一样。
