1.

今夕何夕，观此良剧。

有人说，音乐家的作品就是他本人最好的自传。这部以主人公冠名的音乐剧采用先声夺人的手法，开篇便塑造出了拉赫玛尼诺夫的“音响造型”——以第一交响曲的基调烘托出一个职业生涯遭遇困厄、内在面临冲突而不改勃勃雄心，仍渴望谱写出能直达天际、刺破苍穹的交响乐的年轻气盛的音乐形象。

不难想象拉氏的作品何以经常被艺术家作为炫技之作。通常对于音乐剧器乐部分的赞赏都会归功给作曲家。这部别开生面的音乐剧却让我们重新审视乐队的影响力。这或许是在音乐剧舞台上，乐队登上舞台最“名正言顺”的一次，舞台设计成一个坡度，舞台深处的钢琴+弦乐六重奏的古典配置位列要席，成为不可或缺的元素，乐队在剧中俨然拉赫一角心理与情感表达的另一个“化身”。当音乐骤然响起，雄浑的音响如排山倒海般倾泻而下，摇撼心旌。

它不是传记式作品，没有试图在舞台上呈现这位传奇的一生，就像想在一场音乐会中演奏遍拉赫所有的作品会很傻，又好比某些试图在两小时内展示几个世纪的史诗类作品，往往显得大而无当。比如近期观看的舞剧《孔子》，音乐剧《艾薇塔》，传记舞台作品看似追求完整，最后通常沦为经典片段式回放。）尤其对于观众耳熟能详的人物，每一幕的选材都不易跳出窠臼，而大多只能借由歌舞的形式造出耳目一新的表面印象。

“与传记类音乐剧刻画一个人漫长的一生不同，它选取了天才作曲家拉赫玛尼诺夫人生中的一个断章，描绘了《第二钢琴协奏曲》的诞生过程，与此同时、一段以心理治疗为契机的关系逐渐建立，拉赫与心理医生尼古拉·达利二人在对内心世界的探索中回溯往事，慢慢地对彼此敞开心扉，化解块垒，疗愈创伤，最终相互救赎，重拾自信。”

这部如此精诚打造的音乐剧，让我们穿透台前，看到幕后制作团队的坚持——坚持做二度创作和原创的小剧场。相信这样的精品在日益商业化的环境中，会产生良币驱逐劣币的效应：粉丝可能会对偶像上头，听众的感官则会越来越重视品质。我还相信，《拉赫》对于目前逐渐驶入快车道的音乐剧市场的建设和人才培育，乃至推升圈内文化艺术氛围的格调，将起到一定促进作用。我也钦佩制作人和整个剧组的长远目光，并希望未来可以出版剧中歌曲，让数字传播为国内的音乐剧工业2.0添砖加瓦吧~

2.

连看了两晚之后，旋律已经萦绕不去，“情感在翻涌 / 拨动了我的心”，是什么让我眷恋，脑海里不断回闪那方舞台？音乐、歌词、演员，抛开哪一样都无从谈起。

演员何其幸运，可以有机会第一手学唱和演绎这么好听的歌。古典音乐的名作改编为人声歌曲需要机缘，古典流行双栖的莎拉布莱曼为了得到颜尼欧·莫里克奈的首肯为Nella Fantasia一曲填词，三年内不断写信沟通才终于说服，NF不但作为莎拉又一首成名作，也成为了古典歌曲中的经典，被无数歌唱家争相翻录。

剧中的歌曲数量诚意十足。古典乐与歌剧的结合由来已久，而当音乐剧遭遇古典乐，乐曲原本也是为器乐而非人声而写，自然对演唱的要求比流行或通俗唱法更考验功力。因此演员面临气息和音域的挑战，以及戏剧方面表情达意的考验，是多重的。

剧中的歌曲数量诚意十足，在听觉上呈现出的厚重感也超出了我们一般对音乐剧的期待。

好的编曲妙手天成，好的作词同样一将难求——不仅能让剧情如海浪自然而然地向前涌动，更让人拥有意料之外的，音乐文学美感上的愉悦享受。

那绵绵奔向你心头/ 歌声

蓝天之上/你听见我心声

时光中/我心中累积的/地暗天昏

从我的双手/到天空尽头

都能一同分享/这壮丽高昂

这光芒万丈

波澜壮阔的/交响乐

（注：老爱这段了，不知歌名？）

经常作为宣传活动保留曲目的二重唱《叶莲娜》，真的可以成为国语音乐剧单独拿出来演出的经典曲目。其实除了本文提到的几首，剧中的曲子都让人留恋，经得起循环播放。

《叶莲娜》

还记得你我住我的手/温暖了/我纷扰

那双手抚慰了苦痛/带来了笑声，

到如今痛再没有了/又回到了，

听啊那钢琴的声音

像礼物一般送给你/如歌旋律

送给我，如歌旋律。

你听你听/曾经的呼唤，

你看那久违的笑容

重回你的脸上，

在指尖缠绕/在梦里萦绕，

你和我共谱的/如歌旋律 

3.

我不愿说达利是一个“讨喜”的角色而淡化了扮演者的喜剧禀赋和用心程度，或显得对两个主角厚此薄彼。事实上，我对演员的喜欢甚至超过了对角色人设的认可。在声乐素养、音色和气息上，施哲明都具有较为明显的优势，这使得他驾驭起角色较为更显游刃有余。一人分饰三角——这种听起来儿戏多于创意的安排下、演员还能够流畅转换，令人捧腹大笑却不跳戏，实属难能。这也是他能在剧中担当双男主之一的重角的原因。

相比尼古拉斯 达利，拉赫玛尼诺夫是一个更难触及观众的内心、有距离感的角色 。因而演员更需要get into the skin of the character，进入到拉赫的内在，以获取对角色真正的认同感，然后又能外化出来 (而不让人感到只是在饰演他）。

这样一个心路幽微曲折的艺术家，天降奇才于斯人，令他历经天才的苦心孤诣、严师的苛求、世俗舆论噪声叠加带来的心理负累 ，又葆持着艺术家天性里的单纯和热烈。不，拉赫不是厌世与冷漠的，拒人千里也不是他的铠甲，就像第一交响曲问世之初不该像那样被扭曲。除了矛盾迸发时的情绪流露，在其他言行举止上的风度，编剧和演员若更用心挖掘和诠释，将更能让观众走近这位孤独的赤子。

当达利开始歌唱《打动了我的心》(？这居然是歌名）抒发自己在异国他乡第一次邂逅拉氏的音乐，心头自然涌起的感动，在他漂泊无依的留学岁月中，音乐就如同在冬夜幽暗冷寂长街里一扇为自己亮起暖灯的窗。他忘情地回忆着音乐带给自己美的冲击与抚慰，那支旋律隽永犹如咏叹，那么深切动人，那魅力显露无遗。

还有《再见，拉赫》，歌词是那样真挚的表白——将一种朋友的温暖、关怀、理解、欣赏展示得诗情浪漫。

《再见，拉赫》

将划下句点/共同度过/这段时间 

心与心之间 /如此赤诚相见 

某一个瞬间/突然敞开的心门/

值得一生去珍惜 

你终于能推开窗/ 窗外充满阳光

愿从今而后/你会倾听内心声音

......

你创造的旋律 /哪些声音

听见吗 /听见了吗？

一阵阵传过来/ 传进我心灵 / 曾给我指引

......

施哲明化身达利时，歌声悠扬有光泽，高音处有意地压低从而拉长线条，颇具美感。（身为音乐剧演员他们无疑是幸运的，通过这部剧他们应该也获得了的声乐技巧上的淬炼和提升。）

当他化身茨维列夫，声量音色变得浑厚强势，咄咄逼人而依旧悦耳。

当他变身小天鹅(误)，柴可夫斯基，“惊鸿一瞥”的天鹅舞姿让台下不少迷妹笑到花容失色，此时他的歌声…...不重要

蒋奇明为我们带来了非常投入、专注、认真的演出，配合长发造型，风情更佳。可能是当晚的状态不佳，有些段落绷得太紧，放不太开，和钢琴的配合显得不敌风力，听起来像“追着音乐”，好几步走得踉跄。部分情节展开处的节奏把握不够准确，未能呈现出共情点，致使和达利二人的配合有些貌合神离。但这或许并非技术性失准或失误，我猜想是状态失衡所致。

只可惜，戏剧的微妙就在这里，整个剧场的氛围，从演员之间的感应，到辐射向观众席里的磁场，都有些不可名状。以至于最后'拉二'一奏响，竟有一种大义救场的悲壮感。

周可人饰演的拉氏更得我心。他的稳健让拉赫更具说服力。他的歌唱和声音也是略有瑕疵，却感染力极强，眼底有星光。他对音乐家的理解已剥开了台本表面，触及到人物的特质，并能够用精准的节奏和表演带领观众去认识他所洞悉和相信的拉氏。尤其对于角色冲破精神困境之前是如何与自己的内心达成了和解，有更细腻和富有层次的表现，张弛有度。他已拥有了角色的底色。

直到此刻，我还在继续问自己，《拉赫》究竟是什么让我心中挂念？也许是我还没学会这些曲子。拉氏音乐中有肖邦、柴可夫斯基、贝多芬的影子，那种看似无形的勾连，拨响了心弦。同时，无论这部剧有多少豪华标签和噱头，最终台上动人的还是那份分不清是演员之间抑或角色间、实实在在的情谊。

看完《拉赫玛尼诺夫》深圳场首演的我，戏称自己如中毒一般，乐迷心窍，色令智昏，结果用了三天才从晕眩中冷静过来。在越来越多参与者涌入这个行业，不断加速它的市场化及工业化势头的今日，从观众的角度我们需要呼吁一声“Andante ”，比如，剧终的收尾演奏可以酌情考虑保持原速。对这样一部各方面可圈可点的音乐剧，I keep my hands crossed ，期待未来能看到它更多的面貌。

ps，拉赫初入音乐学院主动要和“刺猬列夫”握手那一幕，二人都将一种少年的稚气、萌新的奶气、体内蛰伏的天才灵气表现得惹人生怜。男生卖起萌来，真是终身误：）

pps.拉赫和恩师茨维列夫的冲突那一段，两把人声的对抗和较量，像battle一般，精彩。

ppps,场刊上印的全剧歌曲的名字貌似命名不太正式......比如《我要写》《完美的音乐》《自卑感》(？怎么回事？）