10月31日—11月3日，2024第五届艺术上海国际博览会将在世博展览馆举办，这将是一场以“让艺术抵达生活”为主题的艺术盛宴，一批国内外新锐艺术机构将参展。
一张神奇的“艺术地图”将在展会上首发，这便是——《让你秒懂的西方艺术地图 西方艺术史100位代表艺术家》。
一位父亲为了让孩子喜欢上艺术，花了3年时间和孩子梳理西方艺术1000年，挑选了100位代表艺术家，并整理了艺术家背后的故事，以及每一位艺术家带来的启发，于是便有了这张“地图”。
“地图”以时间为线索，从文艺复兴时期开始，再现了1000年西方艺术历程中的高光时刻，让你秒懂100位代表艺术家，28个艺术流派，3个艺术时代的底层演变逻辑。
它是实用的迷你艺术辞典，是观看艺术展的伴侣，也可作为孩子的艺术启蒙读物和艺术爱好者的畅游指南。
细细品读，我们发现艺术史上每一次的流派更迭，背后都是颠覆式的创新，这些创新是对旧有观念的突破和更新，体现了人类源源不断的创造力。
我们从中筛选了7个“高光时刻”，带你先睹为快。
我们热爱艺术，是因为我们能够从艺术作品中看到不同时期，人们对于时代的记录与表达。
第1个高光时刻：
文艺复兴，艺术与人文的重生
文艺复兴运动发源于13世纪末的佛罗伦萨，在意大利语中被写作“Rinascimento”，也就是“重生”的意思，后来扩展到欧洲各国，成为百花齐放、遍布全欧洲的文化现象。
在文艺复兴之前，西方绘画只能为宗教服务，按基督教的教义来表现“神性”，中世纪艺术作品中的人物往往表情严肃，形态刻板。
文艺复兴之后，艺术家笔下的人物开始“活起来”了，艺术家可以表达人的喜怒哀乐和欲望，人们开始试图捕捉现实生活与人伦情感，这是一种颠覆式的创新，个人主义开始彰显，艺术家相互竞争、充满活力。
文艺复兴也确立了科学的绘画体系和艺术规范，比如达芬奇为了表现真实的人体，大胆去解剖，将解剖学、几何学及透视原理等知识用于艺术创造，他对绘画技巧的提高做出了巨大贡献。
第2个高光时刻：
印象派诞生，绘画真正成为艺术家的情感寄托
19世纪开始出现了摄影技术，这对绘画艺术产生了巨大的冲击，因为画家再怎么努力，画出来的画也不会比照片更逼真了。但这种改变反而使艺术家们摆脱了束缚，不再一味追求重现真实的世界，而是将重心转移到对内心情感的表达。
1874年3月，一群年轻人以“无名画家”的名义，在巴黎一个简陋的摄影工作室里办了一场画展，这场画展中没有一件作品符合当时“构图严谨、造型明确、颜色细腻”的特点。他们的出现受到当时艺术界的猛烈攻击，说他们根本不是在绘画，只是在表达自己的“印象”，于是“印象派”在鄙夷和嘲讽中诞生了。日后，它成为西方艺术史上最伟大的艺术派系之一。
为了灵活快速地捕捉眼前的“瞬间影像”，印象派画家们坚持在户外写生，用短促而有力的笔触，捕捉特定时间内呈现的瞬息色彩，定格转瞬即逝的光影景物，人感官的界限仿佛在这一刻被打破。
印象派的人物画，不求人物的“逼真”，而是注重光、色和氛围的真实，让人感到在松散自由的轮廓下，画面是如此跳跃生动。
印象派之后，文森特·梵高，这位“后印象派”代表人物，成就了又一座人类艺术的高峰。由此，西方艺术的写实绘画体系进一步瓦解，从此绘画从“感受”层面升华到了“情感”层面，真正成为艺术家的情感寄托。
第3个高光时刻：
立体主义与抽象主义，为什么连孩子都能画的图形，却是艺术巨作？
20世纪最伟大的艺术家之一毕加索，开创了立体主义画派。他笔下的事物，与真实世界相差巨大，是他主观想象的立体造型，这是在他之前从未有过的绘画艺术形式。
毕加索的《格尔尼卡》，表现的是二战时德国空军轰炸西班牙小城格尔尼卡的场景。画面几乎是黑白的，人物也只由简单的线条和色块构成，但是其中蕴含的冲击力却极其惊人。
在毕加索之后，出现了各种抽象主义的画作。
瓦西里·康定斯基代表的“构成主义”，主张艺术以功能性为基础，去掉不切实际的装饰，以纯粹简单的几何图形构成画面。
马列维奇代表的“至上主义”，强调视觉感受的绝对至上，大千世界虽然变化万千，但万变不离其宗，都是由最基本的元素构成的，艺术也应摒弃各种表现形式，拆解成最基本的形态。
蒙德里安则将“至上主义”思想又推进一步，以简洁到极致的作品为抽象艺术作了最佳诠释。
很多人会认为，抽象艺术没什么技巧，就是随心所欲地画，但问题并不在于这样的画是不是难画，而在于谁最先采用这样的表现方式。
抽象艺术，给我们提供了看待世界和看待自己的全新方式，就像毕加索自己所说：“我14岁就能画得像拉斐尔一样好，之后我用一生去学习像孩子那样画。”
第4个高光时刻：
破坏一切的达达主义，艺术是毫无意义的吗？
20世纪初的前卫艺术运动“达达主义”，诞生于动荡的战争年代，以“反艺术”为特征，试图通过废除传统美学形式，发现真正的现实。达达主义者的行动准则是——否定一切，破坏一切，通过反美学的方式，来表达对传统价值及社会现实的绝望。
1917年，艺术家马塞尔·杜尚将一个从商店买来的普通男用陶瓷小便池，起名为《泉》，匿名送到美国的独立艺术家展，要求作为艺术品展出。《泉》的展出，把艺术向着一个更混乱无序、支离破碎的地方推去。
在杜尚看来，传统艺术只有在一定媒介（画布、墙壁、大理石等）上艺术家才能将他们的理念呈现出来。而在现代艺术里，理念大于媒介，艺术家可以通过在一件平庸无奇的东西中注入态度与理念，使之成为一件艺术品。
有人追问杜尚“艺术的真谛是什么？” 杜尚回答：“没意义，一切都是没意义的。”这就是达达主义的精髓，虽然达达主义备受争议，但它拓宽了艺术的边界，如果没有达达主义艺术运动，那么今天的很多艺术形式根本不存在。
第5个高光时刻：
波普艺术，艺术即商业，吹响当代艺术的号角
20世纪中叶盛行于美国的“波普艺术”，通过模仿、复制等方式，从商业社会符号中提取艺术主题，以浅薄的形式和通俗的趣味，热烈地拥抱流行文化，对流行时尚产生了独特且持久的影响力。
波普艺术代表人物安迪·沃霍尔的作品常以日常用品和大众媒体中的名人为主题，通过丝网印刷技术使其重复呈现，其作品挑战了传统艺术的高雅性。他的作品强调艺术的消费性和复制性，反映了20世纪中期美国社会的消费文化和明星崇拜。
波普艺术大胆地打破了艺术的高下之分，也使艺术的创作方式发生了质的变化，预示着当代艺术的兴起。
第6个高光时刻：
极简主义，画一条线、砍一刀就能卖一个亿？
简化到极致的抽象艺术流“极简主义”出现在20世纪中叶，该流派的作品绘画语言被消减到仅仅有色彩与形状。
很多人看到色域主义、极简主义代表人物巴纳德·纽曼的作品时，都会脱口而出“这也是艺术”？
而这些看似“随手一画”的线条，纽曼有时会花费长达几个星期的时间去推敲、琢磨。当纽曼的作品第一次进行展览时，他在画边提示板上写道，“请近距离欣赏画作”，艺术家希望观者与画面建立起直接亲密的感官联系，感受色彩的韵律和线条的意义。
卢齐奥·封塔纳的作品，以简洁的几何形状和大胆的切割手法著称，他将众多的隐喻符号用一张画布，一枚刀片以一种极简的方式呈现出来，不同心境的观看者想必会有不同的解读。
极简主义对艺术产生了巨大的冲击，也给人们的生活带来巨大的影响，比如日后的极简设计和断舍离的理念，彻底改变了人们的生活方式。
第7个高光时刻：
行为艺术与观念艺术，一切皆为艺术
行为艺术与观念艺术，通过艺术家的一系列行为，或是装置，传达出自身的艺术理念和思考，摆脱了传统艺术媒介的束缚，往往能给观者带来其他艺术形式无法提供的情感体验和心灵震撼。
在当代，一个艺术家有时不需要受过良好的艺术教育，不需要有美术基础，甚至不需要画笔，自己的身体、周围的一切都可作为创作的材料。
半个多世纪以来，“行为艺术之母”玛丽娜·阿布拉莫维奇创作了无数震撼人心的行为艺术作品。1988年春天，阿布拉莫维奇与乌雷合作完成的《情人，长城徒步》，90天的时间里，阿布拉莫维奇穿红衣往西，乌雷穿蓝衣向东，徒步穿越长城，各行2500千米，最终相遇、拥抱、分手，浪漫到极致，也让人无比唏嘘。
观念艺术的代表人物约瑟夫·博伊斯，他的作品突破了传统艺术的界限，形式多样，包括雕塑、绘画、装置、行为艺术等。他的艺术理念强调艺术与社会、政治的紧密联系，倡导“每个人都是艺术家”，意在激发个人的创造力和社会变革。
1997年，阿布拉莫维奇在摘获威尼斯金狮奖的致辞中说的话，是对这类艺术最好的诠释，她说：“我只对能改变社会意识的艺术感兴趣……只关注美学价值的艺术是不完整的。”
进入21世纪以来，我们正在经历一场全球性的当代艺术大繁荣，越来越多的新美术馆在世界各地如雨后春笋般冒了出来，也从未有如此多的当代艺术品诞生，并用还没有被公认的术语来描述这些新的艺术作品，未来，哪些作品能成为艺术史上的经典，只能由时间来决定了。
结语
为什么人类总在不断探索新的艺术形式？我们为什么需要艺术？艺术有什么用？阿兰·德波顿在《艺术的慰藉》中这样回答：要把艺术视为工具，艺术弥补了我们与生俱来的部分弱点，这些弱点不是肉体上的，而是心智和情感上的缺陷。艺术能引导、规诫、抚慰艺术品的欣赏者，能够帮助我们成为更好的人。
“无用之用，方为大用”，或许就是艺术的精髓。
期待与你在艺术上海国际博览会上相约，打开这张艺术地图，你会发现我们与艺术的距离，近在咫尺。
参考资料
《让你秒懂的西方艺术地图 西方艺术史100位代表艺术家》（作者：朱清荷 朱小斌）
《什么？！这也能叫艺术？》（公众号“孤独图书馆”，作者：列宁是蘑菇）
