当自己所练习、所演奏的作品，达到相当熟练的程度后，你就会本能地、自动地加入“肢体动作”。
一、一切都是“水到渠成”
宛与洛认为，“肢体动作”是演奏者对作品理解能力的外在表现形式。你怎么“动”，“动”得幅度如何，频率如何，本质还是你对作品的认识如何。
比如《致爱丽丝》这种轻柔的旋律。当音乐响起，学琴者自然就会随着旋律的起伏，伴着节奏的律动，身体本能地作出“回应”。
对于这首作品，其“肢体动作”一定是较小幅度的、频率不快的一些动作。
比如点头、轻抬头、轻摇头、身体左右摇晃、身体前倾后倾、全身上下轻微“起伏”等……
只要你的“肢体动作”，不影响自己的演奏，就是合理、适当的“肢体动作”。
其实，不仅不影响演奏，反而对自己的演奏是一种“促进”。
可以使学琴者的状态更为专注、投入，演奏出更丰富的音色，富有感染力与对比性。
而这一切，都是在学琴者对作品相当熟练的基础上形成的。
如果在演奏《致爱丽丝》时，指法不熟练，错音很多，节奏感也不稳定，更不用说背谱演奏了。
那么这时，学琴者的头脑中，思考的一定都是关于作品、乐谱的问题。
哪个地方容易出错？哪些乐句、乐段是难点？如何把节奏型演奏正确？如何把乐谱记住？……
这些也是首先需要解决的问题。也只有解决了这些问题，学琴者在熟练演奏作品的同时，才能有“余力”，自动化地加入一些“肢体动作”。
所以，“水”不到位，“渠”也形成不了。
二、“强加”其实是“无效练习”，是在做“无用功”
有些学琴者，为了让自己的演奏状态看起来更松弛、更具美感，于是会在刚学习一首作品之时，就在演奏中加入“肢体动作”。
由于还处于视奏“状态”，学琴者对乐谱、对作品还不太熟悉，于是演奏过程中的思考，自然就会往乐谱、旋律、节奏、技巧等内容上“倾斜”，而不会去考虑，自己的身体该如何“动”？
此时如果坚持要往演奏中加入“肢体动作”，也就相当于是一种“强加”的做法。
能力暂时达不到，却仍想“拔苗助长”。
这种做法，既浪费了时间，也耗费了心力，最后还出不来效果，属于“无用之功”。
