“人要有出世的精神才可以做入世的事业”，朱光潜如是说。《谈美》一书的阅读初衷只是为了某次辩论，而几年后重拾，才发现有些道理懂得太晚，而有些思考，却承受住时间的洗礼，字字珠玑。
一.当局者迷，旁观者清
怎么欣赏客观事物，如何定义其好坏？譬如颜色，是否有最美与最丑之分？
倘若贸然这么提问，相信大多数人当下一愣，不能够轻易作答。诚然，“一千个读者有一千个哈姆雷特”，事物是客观存在，而欣赏则是投入自己的情感与其交汇，从而形成主观感受。既然是主观感受，其好坏又从何谈起呢？印象派的批判主张个人应以自己的嗜好为标准，然而各人趣味有高有低，其好恶又是否有一个标准呢？要回答这些问题，我们需抛开这一切，回到“美”本身上来。
美——事物形象与直觉。区别于实用（无意志欲念）、科学（无抽象思考）的态度，审美是无所为而为的一种活动。期冀能够现出事物本身的美，最重要的是从实际的世界跳开，不带目的的去欣赏其本身形象，换而言之——距离产生美。这也从另一个角度阐明，为何戏剧中演员要画上脸谱，以唱表意，为何古代画作中，往往没有透视、没有近乎照片的写实，无不是为了拉开艺术与实际生活的距离。
当我们将现实世界搁置一边，独自面对事物时，审美就油然而生了——观赏者将自身意蕴和情趣投射到事物上，达到物我相融的境地。作为设计师，甚至会更进一步：欣赏之余，对”美“归纳、总结，结合自身的体验，二次创作。至此，不可不谈到模仿与创造的思辨。没有模仿的硅步，无以至创新的千里。模仿，在朱光潜看来，无论领域，都可比拟为“肌肉记忆”。正如郑板桥所画的每个竹节都以相同的笔法描绘，其画竹已然形成肌肉记忆。模仿，研习“肌肉记忆”是增进技巧、开启创作的必经之路。而创造，则是郑板桥虽画法相似，但落笔时都有所区别——在不断变化的细节描绘中发挥出无穷无尽的创造力——“枝枝叶叶绝无雷同”。
对设计师来说，模仿和创新之间又岂是量变到质变的关系呢？当下扁平化风盛行，设计作品单从技法上来说似乎很简单，也有不少人如法炮制，能够迅速推出像模像样的作品。因此，在一些设计师看来，设计除了视觉，还要有动效，C4D建模的能力，洋洋洒洒说“不是你不够优秀，而是你不够特别”
不。
在朱光潜看来，“青年”只想追寻诗人的妙悟，而忽视匠人的手腕是万万不可的。当下单纯地追求设计师拥有更多的表现技法傍身（且不论最终输出的作品跟风者居多，原创者无二这一现状）就忽视基础的视觉表现，忽视作为设计师在项目中应有的，对需求与视觉进行平衡与取舍能力的基本诉求，又与当初那些“青年”有何不同呢？
而对“美”好恶的定义，在我看来，就如同设计没有好坏之分，只有适合与不适合一样。以颜色为例，史上曾盛行过的实验美学，确确实实地取了颜色让实验者比较，从而得出最美的颜色。且不说独立的颜色和实际场景运用的颜色不可以相提并论，色彩本质上是客观存在的，不带情感投射的，人之所以对某些颜色有相近的感觉，无非是社会中占大多数的约定俗称的既有观念：红色，代表热情，绿色代表希望等等不足而言。由此延伸，所谓UI界面，可以说是设计师由直觉出发，归纳用户潜意识的视觉格律，从而给人以自然的，不假思索的体验。
二.慢慢走欣赏
我不知道如何定义有趣，但我竟自觉有点趋于无趣，甚至俗不可耐。
“一般人迫于实际生活的需要，都把利害人的太真，不能站在适当的距离之外去看人生世相，于是这丰富华严的世界，除了可效用于饮食男女的营求之外，便无其他意义。”
可谓字字扎心。或许是太看重形式感的缘故，总是需要一切都恰到好处才可感受到美，而朱光潜却说“艺术是情趣的生活，艺术的生活也就是情趣丰富的生活”，在生活中对万物持欣赏态度，发掘趣味，生活也就愈加美满——人生的艺术化就是人生的情趣化。
这么看来，天下熙熙皆为利来——执着追问所谓有用？无用？竟是最无聊的一件事，“美”就是一件最“无所为而为的玩索”；天下攘攘皆为利往——追求无用，以赤子之心待物，才能感受到其真挚趣味的所在。
是罢，切记切记。
